Kaneto Shindo, Kon Ichikawa, Teinosuke Kinugasa, Hiroshi Teshigahara o Keisuke Kinoshita son algunos nombres de una cinematografía de la que, salvando las excepciones de Akira Kurosawa (en mayor medida), Kenzi Mizoguchi o Yasujiro Ozu, poco sabemos en el mundo occidental pero que merecen ser reconocidos. Algunos de ellos, incluso fueron reconocidos con nominación a director en los oscars cuando ninguno de los tres grandes nombres del cine japones lo habían sido.
En este post hablaré de una película de cada director, elegidas por mayor puntuación en páginas especializadas, así como por sus nominaciones y premios en los oscars u otros festivales.
Fuego en la llanura (1959)
Kon Ichikawa
Durante la II segunda guerra mundial, un soldado del ejercito japonés es obligado a suicidarse. El soldado, enfermo de tuberculosis, es inútil para combatir e inútil en un hospital, necesario para heridos en la batalla. Así, el soldado, buscando la muerte o huyendo de ella, encuentra muerte a cada paso.
Escenas bélicas durisimas, con el ejercito aliado masacrando a estos soldados, todo exento de sentimentalismos. Ejemplo de ello es el ataque aéreo con los soldados tirándose al suelo para protegerse, cuando toca levantarse, unos lo harán mientras que otros quedarán allí sin vida.
Otra escena destacable es cuando un soldado coge las botas de un soldado muerto ya que están en mejor estado que las suyas; a su vez, otro soldado recoge las botas que el anterior soldado dejó por el mismo motivo, hasta llegar al protagonista que, viendo que tanto sus botas como las botas dejadas dejadas por el ultimo soldado están en deplorable estado, decide continuar descalzo. Escena que me recordó a aquello de «Creía que era el pobre más pobre que solo de hierbas me alimentaba, hasta que vi a otro más pobre que recogía las hierbas que a mi me caían».
La película recibió el premio a mejor película en el festival de Locarno en 1961.
El director
Kon Ichikawa
(20 de noviembre de 1915, Mie, Japón – 13 de febrero de 2008, Tokio, Japón)
Comenzó en el cine de animación.
Entre sus películas mas destacadas está El arpa birmana (1956), premiada en el festival de Venecia con una mención especial. Esta película seria versionada en 1985. Ambas películas, además de Las hermanas Makioka (1983) y Enjô (1958) serían nominadas al león de oro de dicho festival.
En el festival de Cannes fue premiado con el premio del jurado por La llave (1958) (también nominada a la palma de oro), compartido con La aventura de Antonioni; y obtuvo nominaciones a la palma de oro por Ototo (1960), premiada con una mención especial, y Solo en el Pacífico (1963).
Nominado en el festival de Berlín con las peliculas Jokio (1960) y Ai Futatabi (1971).
Su documental Las olimpiadas de Tokio (1965) ganó el bafta al mejor documental.
La puerta del infierno (1953)
Teinosuke Kinugasa
En tiempos del Japón feudal, un samurai que participa en la salvación de la familia real se enamora de una joven casada, aunque él no lo sabe. El problema viene cuando, ya sabedor, sigue erre que erre exigiendo el amor de la chica y amenazando de muerte a todo cuanto se ponga en contra, incluido el marido de la chica.
Drama de obsesiones, amores tóxicos y celos patólogicos con una hermosisima fotografía en color.
Grandiosa la frase «Hoy es el primer día de una vida llena de sacrificios» pronunciada por el samurai después de dramática escena al mas puro estilo Shakesperiano.
La película obtuvo el oscar a mejor película extranjera y mejor vestuario en el año 1954.
El director
Teinosuke Kinugasa
(1 de enero de 1896, Kameyama, Mie, Japón – 26 de febrero de 1982, Kioto, Japón)
Sus inicios en el cine fue interpretando personajes femeninos. En el momento que esos papeles empezaron a ser hechos por mujeres se paso a la dirección a principios de los años 20. En esa década dirigio su pelicula mas conocida Una pagina de locura(1926). De esa década es, también, Jujiro (1928) primera película japonesa en ser comercializada en Europa.
Shiragasi (1958) obtuvo una mención especial en el festival de Cannes, La puerta del infierno (1953) ganó el gran premio del mismo festival y Daibutsu Kaigen (1953), nominación al gran premio del festival de Cannes
La mujer de la arena (1964)
Hiroshi Teshigahara
Un entomólogo, a la caza de insectos llega a una cabaña en medio de las dunas, donde una mujer vive sola. Salir de allí será una odisea, ya que se supone imposible. Mientras tanto, moverán arena para no quedar sepultados por el movimiento de la arena y un grupo de gente, de tanto en tanto les llevaran comida y bebida. Como, a parte de mover arena e intentar huir, no hay mucho que hacer, la pareja folla. Mucho.
Magnifica fotografía en blanco y negro. Nunca pensé que un único escenario, donde todo es tan igual y a la vez tan cambiante, tanto por la acción de la naturaleza como de la mano del hombre, diese tanto juego.
La película es, además, un estudio psicológico acerca de la aceptación y adaptación a un medio hostil en situación adversa.
La película estuvo nominada al oscar a mejor película extranjera y a mejor director, siendo la primera vez que un director japones conseguía entrar en dicha categoría.
Como curiosidad decir que los protagonistas disfrutan y se ríen de lo lindo con un chiste del español Conti , que viene en una de las hojas de periódico con las que sus secuestradores les enviaban comida, humorista gráfico de la editorial Bruguera durante varias décadas.
El director
Hiroshi Teshigahara
(28 de enero de 1927, Chiyoda, Tokio, Japón – 14 de abril de 2001, Tokio, Japón)
Entre sus películas más destacadas se encuentran El rostro ajeno (1966) y La mujer de la arena (1964).
Con La mujer de la arena (1964) consiguió nominación a los oscars por partida doble: Película extranjera y director, siendo el primer director japones que lo conseguía. Por esta película gano, ademas, el premio especial del jurado en el festival de Cannes y nominado para la palma de oro.
Ganador en la sesi´´on panorama del festival de Berlín por Rikyu (1989).
Su documental Antonio Gaudi (1984) sobre el arquitecto español tuvo gran interés en su país de origen.
Onibaba (1964)
Kaneto Shindô
Dos mujeres (Suegra y nuera) sobreviven matando a a samurais perdidos y vendiendo sus pertenencias. El regreso de un samurai, con la noticia de la muerte del marido e hijo de ambas mujeres,comenzará a complicar las cosas; por un lado, tratará de seducir a la joven, la cual no dirá que no (todo ello sin aclarar si lo que dice sobre la situación del marido de la joven es cierto o no), mientras que la mayor ve como, la pérdida de la joven significa la pérdida de sus ganancias.
Para acabar de complicarlo, la llegada de otro samurai con extraña máscara en la cara traerá lo sobrenatural a la vida de ambas mujeres.
Sorprende lo abiertamente sexuales que era el cine japonés en esos años en contraposición con un cine mas occidental. Las miradas, las escapadas nocturnas para ver a su amante, los desnudos de cuerpos femeninos y masculinos y escenas sexuales son mostradas con total naturalidad.
El director
Kaneto Shindô
(22 de abril de 1912, Hiroshima, Japon – 29 de mayo de 2012, Hiroshima, Japón)
Director y guionista de todas sus películas. Entre las más destacadas se encuentran Los niños de Hiroshima (1952), nominada en Cannes; La isla desnuda (1960), Onibaba (1964), El gato negro (1968) y Postcard (2010) que dirigió con 98 años.
Fue nominado en 1963 al león de oro en el festival de Venecia por la película Humano (1962).
La balada de Narayama (1958)
Keisuke Kinoshita
En una aldea, al pie del Narayama, las personas mayores deben cumplir la tradición de subir al Narayama para morir. Así, mientras la protagonista de la historia acepta, e incluso espera el momento con resignación (excelente la escena donde la mujer se rompe los dientes pues no puede entrar en el Narayama con dientes de niña), otros, como su vecino, que ya debía haber subido el año anterior no está tan de acuerdo con esas costumbres, lo que le lleva a ser repudiado por sus vecinos.
Son dos formas de ver el abandono de ancianos cuando estos resultan ser un estorbo para la familia. Así, como en la vida real, unos aceptarán voluntariamente mientras otros, como el anciano, irán a la fuerza.
La escena de la subida a la montaña y posterior abandono de la anciana, abandono que sufre más el hijo que la anciana, es de lo más triste.
El director
Keisuke Kinoshita
(5 de diciembre de 1912, Hamamatsu, Shizuoka, japón – 30 de diciembre de 1998, Tokio, Japón)
Dirigió la primera película japonesa en color: Carmen vuelve a casa (1951)
Dos de sus películas: Veinticuatro ojos (1955) y la rosa en su brazo (1957) ganaron el globo de oro, mientras que Un amor inmortal (1961) era nominada al oscar como mejor película extranjera.
Fundó, junto a Kurosawa, Kon Ichikawa y Masaki Kobayashi, una productora para films independientes.
Entre 1955 y 1958, Andrzej Wajda dirigió la trilogía de la guerra donde contaba la invasión de Polonia por parte de los nazis.
Generación
Con Generación, Andrzej Wajda iniciaba la llamada trilogía de la guerra donde relataba la resistencia del pueblo polaco durante la ocupación nazi de su pais durante la segunda guerra mundial.
Aquí, un joven entra a formar parte de un grupo de colaboracionistas después de disparar contra un oficial alemán en un bar. El hecho que ocurra en un lugar publico lleno de gente complica las cosas, por lo que entra en acción una joven, líder de la resistencia, que los preparará para la lucha.
El grupo, que comienza como unos pringados con pistola, pronto irán tomando conciencia y actuando de manera más organizada.
La película también menciona la sublevación del gueto de Varsovia y resalta la colaboración que parte del pueblo alemán tuvieron con los nazis.
Algunos momentos a destacar son el acorralamiento de uno del grupo de la resistencia en el edificio o el triste aunque esperanzador final.
Como nota curiosa, entre el reparto aparece un joven Roman Polanski.
Kanal
Un grupo de soldados polacos tienen que huir por las alcantarillas de Varsovia para no ser alcanzados por los nazis. Salir con vida será tarea muy difícil.
Si con Generación había un lugar para la esperanza, en Kanal todo es pesimista y desesperanzado de principio a fin. Hay inicio ya avisan que nadie saldrá con vida, por lo que no hay que esperar el final feliz.
La película se divide en dos partes: una por las calles de Varsovia destruida por la guerra. Impactantes son las imágenes de los créditos iniciales; y otra por el interior de las alcantarillas de Varsovia. Si la primera mitad muestra la guerra en su faceta más dura y realista, la segunda toma un matiz mas psicológico y claustrofóbico.
La película obtuvo el premio especial del jurado del festival de Cannes junto a El séptimo sello de Ingmar Bergman.
Cenizas y diamantes
Al final de la segunda Guerra Mundial, un hombre recibe la orden de matar a un importante mandatario comunista.
A juzgar por las críticas que leo por todos lados, estamos ante una obra maestra que mi ceguera me impide ver. De la trilogía me parece la más floja de las tres. No conecto para nada con el personaje principal. Su chulería me sacan mucho de lo que me están contando; que, por otro lado, tampoco se lo que es.
El tonteo con la camarera me pone malo. Vale que está bien la gracia de apartarle el vaso cuando esta le quiere poner la bebida, pero después de hacer lo mismo seis o siete veces es para romperle la botella en la cabeza. Y así en varios momentos más.
Eso sí. El personaje, con su chulería, sus gafas de sol nocturnas y su caminar Toni Manero antes de que Toni Manero existiese parece que influyo bastante en lo que sería la nouvellevague.
Su final, dejando las sábanas blancas, colgadas a secar, manchadas de sangre después de ser herido mortalmente está ya en mis finales favoritos.
Puede que un día le de otra oportunidad y puede que mi opinión cambie, pero de momento es lo que hay.
La película obtuvo el premio fripesci en el festival de Venecia.
Dirigida por Louis Leterrier e interpretada por Edward Norton como Bruce Banner/Hulk; Liv Tyler como Betty Ross y William Hurt como el general Ross en los personajes principales. El malo malísimo es interpretado por Tim Roth (Blonsky/Abominación)
Floja traslación del personaje del cómic a la pantalla. Ahora incluso diría que es igual de mala que la que hizo Ang Lee unos años antes. (La sombra de Mark Ruffalo es muy alargada).
En los créditos finales vemos a Tony Stark hablándole al general Ross acerca de un equipo que están montando.
El general Ross no volverá a aparecer en el MCU hasta Capitán América: Soldado de invierno.
Los actores que interpretaron a Bruce y Hulk en la mítica serie de los 70 aparecen en sendos cameos en la película. Bill Bixby (Bruce Banner, aunque aquí su nombre es David) es visto en un programa de la televisión y Lou Ferrigno (Hulk) aparece interpretando a un guardia de seguridad.
Hace 10 años nacía (cinematográficamente hablando) el Marvel Cinematic Universe (MCU para abreviar) donde todos los héroes Marvel intéractuan unos con otros. Excepto los que estaban en otras productoras, como era el caso de Spiderman, ahora ya dentro del universo; o los X-Men, que aunque son personajes Marvel no están incluidos, de momento, dentro de ese universo.
Naturalmente no comienzan todos juntos y revueltos, si no que dedican películas a sólo un superhéroe, caso de Iron Man, Thor, Capitán América, etc, hasta incluirlos a todos en una misma película, caso de Los vengadores.
Tampoco es necesario ver todas las películas para entender lo que pasa o por donde uno empiece. Ejemplo, se va entender igual Los Vengadores sin haber visto antes Iron Man o Thor.
El MCU, además de películas, incluye cortometrajes donde explican que pasa con ciertos personajes que desaparecen de la acción, y series (Agentes de Shield, Agente Carter, etc) donde hay más de lo mismo.
Desde aquí trataré de analizar, una por una, todas las películas incluidas en el MCU, con sus conexiones con las demás películas y los cortos, siempre que me sea posible; y hasta que me llegue la paciencia, pues raro es que acabe un serial. Las series me niego a verlas. Decir también que ninguno de mis cinco seguidores, o posibles lectores de estas líneas, se esperen un análisis profundo o concienzudo. Esto sólo es diversión.
Dicho esto, comenzamos desde el principio con Iron Man
Iron Man (2008)
Con él comenzó todo
Dirigida por Jon Favreau e interpretada por Robert Downey Jr como Tony Stark/Iron Man, Gwyneth Paltrow como Pepper o Terrence Howard como Rhodey, que no repetiría en la serie, aunque si su personaje que pasaría a ser interpretado por Don Cheadle. Otros actores y actrices repetirían, interpretando el mismo personaje en las siguientes, como es el caso de la periodista Christine Everhart (Leslie Bibb) que repite en Iron Man 2, aunque es un personaje que no tiene gran peso en la trama; o el agente Coulson (Clark Gregg), ya con mayor importancia. El reparto principal es completado con Jeff Bridges como Obadiah Stane y Faran Tahir como Raza; los malos de la película.
Confirma que Robert Downey Jr está hecho para el personaje y difícil pensar en otro Iron Man que no sea él. Otro tanto ocurre con la Pepper de Paltrow.
Paul Bettany pone la voz a Jarvis, ordenador de inteligencia artificial de Tony Stark. Más tarde, concrétamente en La era de Ultrón, este pasara a convertirse en Visión, cuando sea destruido en dicha película
En la escena Post-Créditos vemos a Nick Furia (Samuel L. jackson) entregando a Tony Stark el proyecto Avengers, lo que indica que pronto habrá película de Los Vengadores.
Siete son las películas en las que Christopher Lee interpretó a Drácula para la Hammer.
Ellas son:
Drácula (Terence Fisher)
Drácula, príncipe de las tinieblas (Terence Fisher)
Drácula vuelve de la tumba (Freddie Francis)
El poder de la sangre de Drácula (Peter Sasdy)
Las cicatrices de Drácula (Roy Ward Baker)
Drácula 73 (Alan Gibson)
Los ritos satánicos de Drácula (Alan Gibson)
hay, además, dos películas más donde Christopher Lee no interpreta al personaje; en una porque su personaje no aparece, aunque si su nombre en el titulo: Las novias de Drácula; y otra donde si aparece su personaje pero no lo interpreta él: Kung Fu contra los siete vampiros de oros (Roy Ward Baker).
Puede que Drácula de la Hammer no sea la adaptación más fiel de la novela, pero es posiblemente, la mejor adaptación que se ha hecho de la novela de Bram Stoker. Para los que creemos que llevar una novela al cine no consiste en copiar palabra a palabra dicha novela, si no tratar de encontrar su esencia; Drácula es, y será, lo mejor que salió de dicha obra.
La película convirtió a Christopher Lee en leyenda, aunque luego tardase ocho años en volver a interpretarlo. Y es curioso, ya que el personaje le iba como un guante, (Por muy buenos que fuesen los otros Drácula: El de Bela Lugosi es buenisimo, y el de Frank Langella es un Drácula a reivindicar; no así el Drácula de Coppola, que me parece la versión mas floja pese a copiar literalmente la novela) pero Lee era Drácula. Pero viendo en lo que convirtieron al personaje, más adelante, no era de extrañar.
Se estrenó el 16 de junio de 1958
Aunque en 1960, Christopher Lee no aceptó ponerse en la piel de vampiro, hubo igualmente película: Las novias de Drácula (Terence Fisher). Su nombre en el título, imagino, funcionaba como reclamo para el público, ya que no aparece por ningún lado. Quien si aparece es un tal Baron Meinster, vampiro de aspecto andrógeno. Sin embargo, si eres capaz de soportar el cabreo inicial de no ver a tu vampiro favorito, está película merece una oportunidad ya que está mejor de lo que cabría esperar, aunque el vampiro sea un flojo; pero sus hallazgos visuales como las aspas del molino formando una cruz o la protagonista sentada delante del espejo, sintiendo una presencia detrás de ella a la que no puede ver; el siempre excelente Peter Cushing que repite como Van Helsing o la baronesa Meinster ponen a esta película, hoy lo llamaríamos spin of, a la misma altura que su predecesora
Fecha de estreno: 5 de septiembre de 1960
Me gustó menos el regreso de Lee con Drácula príncipe de las tinieblas. A pesar de tener algunos momentos memorables como el desangramiento de uno de los incautos que va al castillo del conde, pero Drácula sale demasiado tarde, y aunque algunos de sus momentos son estupendos, parte del tiempo te lo imaginas deseando sacarse el disfraz para cobrar el pastón que le darían por interpretar el personaje e irse para casa.
A partir de ese momento, Lee interpretaría al vampiro en cinco ocasiones más hasta 1974. Pero al contrario que las de Frankenstein donde todas tenían algo interesante que contar y siempre innovaban; estas están siempre cortadas por el mismo patrón. Lo mas interesante estaba en ver como lo resucitaban , como lo mataban y a que jamona le hincaba los dientes. Momento más orgásmico que terrorífico.
Se estrenó el 12 de enero de 1966
Así, en Drácula vuelve de la tumba, las agraciadas con el mordisco Draculín fueron Barbara Ewing y Veronica Carlson. La película me gustó mas que la anterior, aunque tiene algunas meteduras de pata: la de Drácula reflejado en el agua del hielo de donde fue desenterrado, clama al cielo. Pero la historia es bastante entretenida, aunque no deje de ser un más de lo mismo.
Estreno: 6 de febrero de 1969
La siguiente fue El poder de la sangre de Drácula ( Peter Sasdy) donde vuelve a repetirse el esquema de la anterior: Drácula es resucitado de manera rocambolesca y morirá de manera también rocambolesca. Entre medias se ligará a dos chicas (Drácula es como James Bond) que estarán encantadas de sus mordiscos. las chicas serán quienes les saquen las castañas del fuego (Drácula es un vago) y, al igual que en la anterior, matará a una de ellas y dejará a la rubia maciza viva por la única razón de ser novia del ¿protagonista?. Entretiene, aunque Drácula viviendo pared con pared con una iglesia y no notar su presencia es raro raro. Aun así, el momento es memorable.
Fecha de estreno: 7 de junio de 1970
Leí en algún sitio que Las cicatrices de Drácula (Roy Ward Baker) es una película independiente de las anteriores ya que no empieza donde quedó la anterior como hacen las otras. Eso es mentira, la manera de resucitar va unida a los acontecimientos de la anterior y el resto sigue igual. A mayores se puede añadir el uso que hace Drácula de los murciélagos sobre las mujeres del pueblo cuando sus maridos queman el castillo o Drácula trepando paredes cual Spiderman, que es un elemento que proviene de la novela.
El resto, como dije sigue igual: chicas cada vez más ligeras. Mordiscos a dichas chicas que equivalen a una sesión de sexo intenso, a juzgar por las caras de gustazo que ponen, y dama en apuros de la que se encoñará Drácula y acabará siendo su perdición.
Su estreno fue el 23 de diciembre de 1970
A partir de aquí si que podemos hablar de obra independiente, pues ni Drácula 73 ni Los ritos satánicos de Drácula, las dos de Alan Gibson, siguen la estela de las otras.
Drácula 73 transcurre en el Londres de ese año ¡1973! Como Dracula es inmortal pueden resucitarlo donde les den las ganas. El problema viene cuando vemos que en la tumba de Van Helsing aparece el año 1873 como fecha de su muerte, pero sabemos que la acción del Dracula de Terence Fisher transcurre en 1883. Por tanto algo no cuadra. Luego está que si hasta 1973 no es resucitado ¿Como pudo pasar lo que cuentan en las otras películas? Puede ser que estos dos Dráculas transcurran en dimensiones paralelas o, como ya dije antes, estas vayan por libre, o que las cagaran con las fechas.
Bien, la película no es gran cosa, pero tiene a favor que recupera a Peter Cushing. Aquí haciendo doble papel: Van Helsing y nieto de Van Helsing.
Estreno: 17 de noviembre de 1972
La ultima película en la que Christopher Lee interpretó a Drácula fue en Los ritos satánicos de Drácula, cuya acción transcurre en la misma época que la anterior. En ella nos cuentan el plan de Drácula para acabar con toda la humanidad.
En esta ocasión el conde vive como un poderoso magnate y tiene un amplio grupo de acólitos para que sus planes se cumplan. Lo de siempre, Van Helsing aparecerá y frustrará dichos planes. Además, salen varias vampiras sexis, pero está vez encadenadas y Drácula muerde poco; posiblemente porque ya no tenía el porte de antaño y no se vería muy creíble ver a las vampirizadas con un orgasmo por el mordisco del conde. Lo cierto es que en esta película da un poco de pena; y su muerte ¡Que oportunos los espinos! es de lo más triste. La verdad es que se merecía una despedida mejor.
Estreno: 13 de enero de 1974
Después de esta película supongo que dijo eso de «me las piro vampiro» y no volvió ni para interpretarlo en Kung Fu contra los siete vampiros de oro (Roy Ward Baker) que pese a lo que pueda parecer es una película muy entretenida. Un rara avis dentro del serial donde se pasan por el forro todo lo visto en las películas anteriores. La película tiene, además, un par de historias de amor interracial muy molonas y un mensaje sobre la liberación de la mujer que golpea contra el machismo establecido.
Drácula sale poco, al principio y al final, y como ya dije, Lee renunció a volver a interpretarlo. En su lugar contaron con John Forbes-Robertson, que pese a no hacerlo mal, no hay punto de comparación. Ademas me recuerda al Drácula de Barrio Sésamo.
Estreno: 11 de julio de 1974
Chicas Drácula
Drácula: Melissa Stribling y Carol Marshall
Drácula príncipe de las tinieblas: Bárbara Shelley y Diana Kent
Drácula vuelve de la tumba: Verónica Carlson y Barbara Ewing
El poder de la sangre de Drácula: Linda Hayden e Isla Blair
Las cicatrices de Drácula: Jenny Hanley, Wendy Hamilton y Delia Lindsay
Drácula 73: Stephanie Beacham y Caroline Munro
Los ritos satánicos de Drácula: Joanna Lumley, Valerie Van Ost, Mia Martin, Finnuala O’Shannon, Paulina Pearl, Maggie Fitzgerald.
Reparto: Ryan Gosling, Ana de Armas, Jared Leto, Sylvia Hoecks, Harrison Ford
Duración: 163 minutos
Año: 2017
Sólo por la fotografía de Roger Deakins la película ya no se merece el suspenso. Sólo. De lo que queda poco hay que rascar, y no me refiero a que técnicamente esté muy bien hecha ¡Faltaría más!, si no a que como continuación de un clásico que nunca debió de existir (la continuación, no el clásico) deja mucho que desear.
Una película que ya no sólo es larga por duración, si no que se hace eterna. No entiendo la manía de alargar películas mas allá de las dos horas, cuando lo que están contando se cuenta perfectamente en ese espacio de tiempo y aún les sobran minutos. Una película que no tiene vida, no emociona, te da igual lo que les pase a sus personajes. Nada interesa.
Qué lo mejor, en el tramo artístico, sea la novia virtual del protagonista (copia descarada del personaje de Scarlett Johansson en Her) interpretada por una Ana de Armas, que por una vez no le dan el papel de zorrón, sino el de alguien dulce y enamorada hasta las trancas de alguien a quien no puede tocar ni ser tocada por esa persona. Y te la crees! Su escena, cuando por primera vez es capaz de sentir la lluvia sobre su cuerpo es de lo poco que consigue emocionarme.
Qué la aparición de Harrison Ford sea poco menos que testimonial (al estilo de aquellas películas o series donde ponían un cartel que decía «Artista invitado») y que su Deckard se parezca tanto al Deckard de 1982 lo mismo que un huevo a una castaña tampoco ayuda a que mi opinión sobre la película sea benévola.
Tampoco el hecho de que ahora todo lo quieran convertir en franquicia dejando partes de la trama abiertas ¡Cerrar la película que tuvisteis 162 minutos para hacerlo que ya tendréis 1000 maneras de continuarla en caso de hacerlo!
Algo positivo, que junto al personaje de la Armas es lo único que merece la pena, es el personaje de la mala que interpreta Silvia Hoecks. Todo lo demás es totalmente prescindible, protagonista incluido. Por no hablar de ese Jared Leto que pretende ir de místico y sólo da risa.
No se puede llamar decepción a algo a lo que ya no le tenía mucha fe después de tantas alabanzas sospechosas, pero esperaba equivocarme un poco. Al final mi premonición no iba tan desencaminada, la película es un truño de proporciones épicas por mucho que pretendan hacernos creer lo contrario.
La cuarta edición de los premios oscars se concedieron en la Sala D’Oro del Biltmore Hotel el 10 de noviembre de 1931 e incluía las películas estrenadas entre el 1 de agosto de 1930 y el 31 de julio de 1931.
Películas nominadas
Un gran reportaje
Trader Horn
Vidas truncadas
Las peripecias de Skippy
Las películas que optaban al premio de mejor película fueron:
Cimarron de Wesley Ruggles
Trader Horn de W. S. Van Dyke
Un gran reportaje de Lewis Milestone
Las aventuras de Skippy de Norman Taurog
y Vidas truncadas de Frank LLoyd.
Película ganadora:
Cimarron
La película cuenta, a través de la historia de una familia de pioneros, la historia de como se fundó el estado de Oklahoma, abarcando 40 años de su historia desde su formación en 1889 hasta 1929.
La película hace un estupendo balance de como debieron ser esos años: los pioneros asentándose en un lugar, como ese lugar va creciendo y con ello como también crece la delincuencia; el pueblo que se convierte en ciudad con el paso de los años, etc. Es verdad que no evita estereotipos: los pistoleros folloneros, el héroe que hace de todo, la chica de mal vivir y el rechazo de todo el pueblo, etc.
Optó a siete premios oscars y ganó tres (película, director: Wesley Ruggles,actor: Richard Dix, actriz: Irene
Dunne, guión: Howard Estabrook, fotografía: Edward Cronjager y decorados: Max Ree). Los tres conseguidos fueron, además de película, el de guión y decorados.
La película se estrenó en Estados Unidos el 9 de febrero de 1931.
Películas nominadas:
Las aventuras de Skippy
La película tiene varios records o curiosidades según como se mire:
Fue la primera película donde su director recibió el oscar en esa categoría siendo el más joven de la historia, algo todavía no superado. John Singlenton estuvo nominado por Los chicos del barrio (1991) pero no ganó
Es la primera película, nominada en la máxima categoría, donde todos sus protagonistas son niños (Exceptuando dos o tres adultos).
Es la primera película que tiene al actor más joven nominado en esa categoría. Pocos años después Shirley Temple con 6 años ganaría un oscar, pero no sería en competición, y Justin Henry estaría nominado por Kramer contra Kramer (1979) con 8 años en la categoría de mejor secundario.
Aparte de esos detalles, la película no pasa del simple entretenimiento. Sin restarle méritos al trabajo del director por lo difícil que debe ser hacer que unos niños lleven todo el peso de la acción y que esta resulte interesante a todas las edades.
Se estreno el 25 de abril de 1931 en Estados Unidos.
Película nominada:
Un gran reportaje
Nominada en la categoría de mejor película, dirección para Lewis Milestone y actor principal para Adolphe Menjou. Se quedó sin ninguno.
Luego hicieron tres versiones más, pero esta es la primera vez que se cuenta una historia que es más conocida en las interpretaciones de Cary Grant y Rosalind Russell por un lado, y Jack Lemmon y Walter Mathau por otro. E imagino que será por el mismo motivo que esta película me deje frío comparándola, sobretodo, con la versión de Billy Wilder.
Se estrenó en USA el 4 de abril de 1931.
Película nominada:
Trader Horn
Dirigida por W. S. Van Dyke e interpretada por Harry Carey, Edwina Both y Duncan Renaldo como protagonistas, cuenta la historia de dos exploradores, un veterano y un joven novato, que se adentran en la selva africana para rescatar a una joven que fue raptada por una tribu cuando era niña pero que ahora está totalmente adaptada a la vida en la tribu, hasta el punto de tenerla como una diosa.
No es necesario decir que el explorador novato se enamorará de la joven y que a la joven no hay quien se la crea en medio de la tribu, ya que parece más una modelo poniendo «posturitas» que alguien que sobrevivió en un territorio hostil.
Mucho más lograda es la amistad establecida entre el explorador veterano y su guía negro.
La película se rodó prácticamente en territorio africano y gran parte de ella parece más un documental que una película de aventuras, sobretodo en las escenas de vida en la selva.
La película se estrenó el 23 de mayo de 1931 en USA.
Películas nominada:
Vidas truncadas
Dirigida por Frank Lloyd e protagonizada por Anne Harding, Clive Brook y Conrad Nagel.
Cuenta la historia de una mujer que es abandonada por su marido y que consigue rehacer su vida pese a todas las adversidades por las que pasa.
Este es, poco más o menos, el argumento de una película que está muy difícil de ver, por no decir imposible, pero que todo apunta a un dramón de los gordos.
Fue nominada en la categoría de mejor película y se estrenó en Estados Unidos el 1 de marzo de 1931.
Mejor director: Nominados y ganador
Josef Von Sternberg
Wesley Ruggers
Clarence Brown
Lewis Milestone
Norman taurog
El oscar a la mejor dirección fue para Norman Taurog por las peripecias de Skippy. también fueron nominados:
Lewis Milestone por Un gran reportaje. Era su 3ª nominación. Ya había sido nominado en 1929 y 1930 por Hermanos de armas y Sin novedad en el frente, ganándolo en las dos ocasiones.
Josef Von Sternberg por Marruecos. Primera de dos nominaciones.
Wesley Ruggles por Cimarron. Primera y única nominación.
Clarence Brown por Un alma libre. Era su tercera nominación de seis que tendría. Nunca lo ganó. Anteriormente fuera nominado por Romance y Anna Christie, ambas de 1930.
El director:
Norman Taurog
(23 de febrero de 1899, Chicago – 7 de abril de 1981, Rancho Mirage, California)
Norman Taurog, con 32 años en el momento de recoger el oscar, fue el director más joven en recibirlo. Sería más tarde nominado de nuevo por Forja de hombres. En las dos películas, sus actores principales, Jackie Cooper y Spencer Tracy también lograrían nominación, y Tracy ,además, lograría su segundo oscar.
Tuvo tres especialidades principales como director:
-Películas con Niños: Skippy (1931), Huckleberry Finn (1931), Las aventuras de Tom Sawyer (1938)
-Películas con Jerry Lewis y Dean Martin: Locos del aire (1952), El cómico (1953), Un fresco en apuros (1954) etc.
-Y peliculas con Elvis Presley, siendo el director que más veces lo dirigió: G. I. Blues (1960), Amor en Hawai (1961), Chicas, chicas, chicas (1962), puños y lágrimas (1963), entre otras.
Oscar a la mejor interpretación masculina: Nominados y ganador
Los actores nominados fueron:
Lionel Barrymore por Un alma libre. Nominado como director en la edición anterior por Madame X. Lo ganó en esta ocasión
Richard Dix por Cimarron. Primera y última nominacion
Adolphe Menjou por Un gran reportaje. Unica nominacion
Fredric March por The royal family of Broadway. Primera de cinco nominaciones. Ganaría al año siguiente el oscar en esta categoría y volvería a llevárselo en la edición de 1947.
Jackie Cooper por Las peripecias de Skippy. Única nominación. Fue el actor más joven (9) en estar nominado en esta categoría. Años después, Justin Henry (8) lo estaría por Kramer contra Kramer, pero sería como secundario.
Richard Dix
Jackie Cooper
Fredric March
Adolphe Menjou
Lionel Barrymore
Mejor actor:
Lionel Barrymore
28 de abril de 1878, Filadelfia, Pensilvania – 15 de noviembre de 1954, Van Nuys, California)
Aunque posiblemente su papel más conocido sea el de Sr. Potter de Que bello es vivir (1946), tiene todo un historial interpretativo a destacar antes y después: La frágil voluntad (1926), Mata-Hari (1931), Gran Hotel (1932), Cena a las 8 (1933), La isla del tesoro (1934), David Copperfield (1935), margarita Gautier (1936), Capitanes intrépidos (1937), Vive como quieras (1938). Después de esta película, todas las que hizo fueron en silla de ruedas a causa de su artritis y de haberse roto la cadera dos veces y todos sus papeles se adaptaron a su discapacidad. Que bello es vivir (1946), Duelo al sol (1947) y Cayo Largo (1948) son algunas de las películas que realizó Ya en ese estado y de las mas populares.
Su primera aparición fue en el corto The Paris hat (1909) y hasta 1914 trabajó en infinidad de cortos.
Hermano de los también actores Ethel Barrymore y John Barrymore, trabajaron juntos en Rasputin y la zarina (1932). También es tío abuelo de Drew Barrymore
Fue además director, y llegó a estar nominado en esa categoría por Madame X (1930). La canción de la estepa (1930), otra de las películas que dirigió, le dio una nominación a su actor principal, Lawrence Tibbett. También fue compositor musical y guionista.
La película:
Un alma libre
La película por la que Barrymore ganó el oscar cuenta la historia de un abogado experto en evitarle la carcel a cualquier delincuente. En su último caso, defiende a un ganster local (Clark Gable) acusado de asesinato. Evidentemente el ganster sale libre e inicia una relación con la hija del abogado, interpretada por Norma Shearer que también fue nominada en la categoría de mejor interprete femenina. La hija está medio prometida (o al menos eso cree él) con un jugador (Leslie Howard), pero como es un espíritu libre que no quiere ataduras, salta de uno a otro sin comprometerse con nadie. La comprensión del personaje de Howard choca con la posesión que el de Gable tiene con ella.
Por otro lado, el personaje de Barrymore es alcohólico. Da igual el tiempo que pase sin beber, pues en el momento que pueda volverá a caer. Sin embargo eso no le impide ser el mejor abogado.
La relación entre padre e hija es una relación de total libertad en la que abogan la libertad de hacer con su vida lo que les de la gana. Cosa que choca con los demás miembros de la familia, mucho más conservadores, que no ven con buenos ojos la clase de vida tanto de uno como de otro. Aún así, tanto padre como hija, intentan cambiar el uno al otro por el tono autodestructivo al que llegaron con sus vidas. Él por su inevitable alcoholismo y ella por una relación que no le conviene en absoluto.
Puede que el final no vaya muy de acorde con el mensaje de la película, al ser este políticamente correcto.
Se estrenó el 20 de junio de 1931 en USA.
Mejor interpretación femenina: Nominadas y ganadora
Marie Dressler
Marlene Dietritch
Irene Dunne
Anne Harding
Norma Shearer
Las nominadas fueron.
Marie Dressler por Fruta amarga. Primera de dos nominaciones: Fruta amarga (1931), Emma (1932). Lo ganó este año.
Marlene Dietritch por Marruecos. Única nominación
Irene Dunne por Cimarron. Nominada cinco veces: Cimarron (1931), Los pecados de Teodora (1936), La pícara puritana (1937), Tu y yo (1939), Nunca la olvidaré (1948). No lo ganó en ninguna.
Anne Harding por Holiday. Unica nominación
Norma shearer por Un alma libre. Seis nominaciones. Esta era su tercera nominación, antes había estado nominada por Su propio deseo (1929) y La divorciada (1930) por la que ganó el oscar. Después de Un alma libre (1931) volvieron a nominarla por Las vírgenes de Wimpole Street (1934), Romeo y Julieta (1936) y Maria Antonieta (1938).
Actriz ganadora:
Marie Dressler
(9 de noviembre de 1868, Cobourg, Ontario – 28 de julio de 1934, Santa Barbara, California)
Empezó en el teatro y de ahí paso a Broadway , donde se convirtió en una estrella. En 1914 Mack Sennett la dirigió en Aventuras de Tillie, adaptada de un éxito de la actriz en Broadway, pero su carrera no fue adelante y en 1918 estaba sin trabajo.
En 1917 había participado en una huelga y no volvió a trabajar hasta 1927 cuando consiguió un pequeño papel en The joy girl y luego co-protagonista en The Callahans and the Murphys (1927), película que fue retirada por la presión de grupos irlandeses por la imagen que daban de ellos. A pesar del fracaso, Irvin Thalberg la contrató para la película Anna Christie (1930) con Greta Garbo, y a partir de ahí su carrera despegó finalmente, siendo durante tres años consecutivos la actriz más popular de su época, por encima de Greta garbo, Jean Harlow o Joan Crawford.
Películas suyas de esa época: Fruta amarga (1930) por la que ganó el oscar, Emma (1932), con la que volvió a ser nominada, y Cena a las 8 (1933).
La película:
Fruta amarga
Dirigida por George W. Hill e interpretada por Marie Dressler, Wallace Berry y Dorothy Jordan en los principales papeles.
Cuenta la historia de Min (Marie Dressler), dueña de un hotel en el muelle donde vive con Nancy (Dorothy Morgan) acogida por ella desde que esta fuese abandonada por su madre cuando era una niña. Con ellos vive Bill (Wallace Berry) un marinero amigo de Min.
Todo se complica cuando la policía empieza a recriminar los ambientes en los que tiene a la chica y la necesidad de una educación, y más aún cuando la verdadera madre vuelve reclamando a su hija.
De corta duración (64 minutos) tiene dos partes muy diferenciadas; la primera donde juega más con la comedia y da una explicación de los ambientes marineros por los que se mueven los personajes, y la segunda, donde la relajación anterior gira hacia el drama. Esta parte me recuerda bastante a películas como Un gánster para un milagro (1961) o Estella Dallas (1937) por el sacrificio anónimo de los personajes principales en pro de las personas que más quieren
La película tuvo una nominación para Marie Dressler quien se llevó el premio y se estrenó el 29 de noviembre de 1930 en Estados Unidos.
Oscar al mejor guión adaptado: nominados y ganador.
Los nominados en esta categoría fueron:
-Howard Estabrook por Cimarron. Ganador.
-Seton I. Miller, Fred Niblo, Jr. por El código criminal. Primera nominación para Seton I. Miller. Tendría otra por El difunto protesta (1941) con la cual ganaría el oscar, compartido con Sidney Buchman.
Primera y ultima nominación para Fred Niblo, Jr.
-Horace Jackson por Holiday. Primera y ultima nominación.
-Francis Faragoh, Robert N. Lee por Hampa dorada. Unica nominación para ambos.
-Joseph L. Mankiewicz, Sam Mintz por Las peripecias de Skippy. Era la primera nominación para Mankiewicz. Luego conseguiría nueve mas, entre dirección y guion, y sería premiado cuatro veces.
Única nominación para Sam Mintz.
Ganador:
Howard Estabrook
(11 de julio de 1884, Detroit, Michigan –16 de julio de 1978, Woodland Hills, California)
El guion de Cimarron era su segunda nominación. Fuera nominado el año anterior por Street of chance (1931).
Empezó como actor en el cine en 1914. también se dedicó a la producción y la dirección, para luego pasarse a la escritura de guiones como Los ángeles del infierno (1930), Doble sacrificio (1932), David Copperfield (1935) o El puente de San Luis rey (1944), El gran pescador (1959), año en el que se retiró del cine.
Mejor historia original: Nominados y ganador
Los nominados fueron:
-John Monk Saunders por la escuadrilla del amanecer. Ganador
-Rowland Brown por la senda del crimen. Primera de dos nominaciones. la segunda en 1939 por Ángeles con caras sucias. Sin premio en las dos.
-Harry d’Abbadie d’Arrast, Douglas Doty, Donald Ogden Stewart por falsa personalidad. primera y unica nominación para los dos primeros. Donald Ogden Stewart lo ganaría por el guión de Historias de Filadelfia (1940).
-John Bright, Kubec Glasmon por El enemigo publico. Unica nominacion para los dos.
-Lucien Hubbard, Joseph Jackson por Smart money. Primera nominación para los dos. Lucien Hubbard sería nominado nuevamente por El testigo (1932).
Ganador:
John Monk Saunders
( 22 de noviembre 1895, Hinckley, Minnesota, USA – 11 de marzo 1940, Ft. Myers, Florida, USA)
La escuadrilla del amanecer (1930) fue su único oscar y nominación.
Fue instructor de vuelo durante la I guerra mundial.Especializado en historias y guiones sobre aviación: Alas (1927), La legión de los condenados (1928), El águila y el halcón (1933) debido a su conocimiento sobre el tema; fue instructor de vuelo durante la I guerra mundial.
La película:
La escuadrilla del amanecer
Dirigida por Howard Hawks e interpretada por Richard Barthelmess, Douglas Fairbanks Jr y Neil Hamilton en los principales papeles.
En ella nos cuenta la historia de unos aviadores ingleses que son enviados a luchar contra los alemanes en misiones, donde probablemente no vuelvan. Se presta atención, sobre todo, a los altos mandos que envían a esa gente a morir sin poder evitarlo.
La película, pese a alguna escena de aviación que queda muy bien, teniendo en cuenta los años transcurridos, no consigue emocionarme y sólo me interesa cuando sale el piloto alemán, aunque le den una imagen demasiado antagonista, pese al tratamiento supuestamente serio de la misma.
La película se estreno el 20 de agosto de 1930 en Estados Unidos.
Mejor fotografía: Nominados y ganador
Los nominados a mejor fotografía fueron:
-Floyd Crosby por Tabú. Ganador
-Edward Cronjager por Cimarron. Primera de siete nominaciones. Las siguientes serian: Tu seras mi marido (1941), Rumbo a las playas de Trípoli (1942) ; compartida con William W. Skall; The pied piper (1942), El cielo puede esperar (1943), Home in Indiana (1944) y Duelo en el fondo del mar (1953).
-Lee Garmes Por Marruecos. Primera de cuatro nominaciones. Ganaría el oscar al año siguiente por El expreso de shanghai (1932). Otras películas suyas nominadas fueron: Desde que te fuiste (1944), compartida con Stanley Cortez; y El gran pescador (1959).
-Charles Lang por The right of love. Primera de 17 nominaciones, entre otras estuvo nominado por: El fantasma y la señora Muir (1947), Sabrina (1954), Mesas separadas (1958), Con faldas y a lo loco (1959) o la conquista del oeste (1962), donde compartió nominación con William H. daniels, Milton R. Krasner y Joseph laShelle. Gano el oscar por Adios a las armas (1932).
-Barney «Chick» McGill por Svengali. Primera y unica nominacion.
El ganador:
Floyd Crosby
(12 de diciembre de 1899, Nueva York – 30 de septiembre de 1985, Ojai, California)
Aparece acreditado en 126 películas, series y documentales. Durante los 20 siguientes años a Tabú, se especializó en documentales. Durante la segunda guerra mundial realizo varios documentales para el ejercito.
Películas que llevan su fotografía fueron, entre otras, Sólo ante el peligro (1952), El viejo y el mar (1958)
A partir de 1960 trabajó a menudo con el director Roger Corman en sus películas, basadas en historias de Edgar Allan Poe, como La caída de la casa Usher (1960), El péndulo de la muerte (1962), Historias de terror (1962), El palacio de los espíritus o El cuervo (1963). También trabajó con Corman en La obsesión (1962) o El hombre con rayos X en los ojos (1963).
Como curiosidad, es padre del miembro de The Byrds y Crosby, Still , Nash and Young, David Crosby.
La película:
Tabú
La película cuenta, con un estilo cercano al documental. una historia de amor imposible entre una chica que es elegida virgen de los dioses; por tanto debe permanecer ídem, y un pescador de ostras en las islas de los mares del Sur. El hecho de que los dos quieran escapar a convenciones y ritos perpetuados desde la antigüedad tendrá consecuencias trágicas.
Que la película tenga estilo documental es bastante relativo, ya que lo más cercano a eso es que fue rodada con actores no profesionales. La película empezó siendo dirigida por Murnau y Robert J. Flaherty, pero pronto el segundo abandonó al no estar de acuerdo con el enfoque que le daba Murnau. De esta forma, la película pierde el realismo documental que buscaba Flaherty, para convertirse en un drama romántico de gran lirismo en sus imágenes.
La película se estrenó el 19 de marzo de 1931 en Estados Unidos.
Mejor diseño de producción: Nominados y ganador
Los nominados en esta categoría fueron:
-Max Ree por Cimarron. Primera y única nominación. Ganador.
-Stephen Goosson, Ralph Hammeras por Una fantasia del porvenir. Primera nominación. Sería nominado cuatro veces mas por: Horizontes perdidos (1937), con la cual ganaría el oscar; Holiday (1937) compartida con Lionel Banks, La loba (1941), compartida con Howard Bristol; y Aladino y la lampara maravillosa (1945), compartida con Rudolph Sternad y Frank Tuttle.
-Anton Grot por Svengali. Primera nominación. Fue nominado cuatro veces mas: El caballero Adverse (1936), La vida de Emile Zola (1937), La vida privada de Elizabeth y Essex (1939) y El halcón del mar (1940). Por esta película recibiría un oscar especial por sus avances en la técnica, al crear una maquina que simulaba los efectos climáticos sobre el agua.
-Hans Dreier por Marruecos. Nominado 20 veces, ganó el premio en tres ocasiones: El pirata y la dama (1944). Compartido con Ernst Fegré y Sam Cormer, Sansón y Dalila (1949) compartido con Walter H. Tyler, Sam Cormer y Ray Moyer, El crepúsculo de los dioses (1950). Compartido con John Meehan, Sam Comer y Ray Moyer. Esta era su cuarta nominación.
-Richard Day por Whoopee!. Recibió 20 nominaciones a lo largo de su carrera, de las cuales ganaría siete oscars. Esta fue su primera nominación. Algunas películas suyas nominadas, con o sin premio, fueron: Calle sin salida (1937), Que verde era mi valle (1941)(ganador), El filo de la navaja (1946), Juana de Arco (1948), Un tranvía llamado deseo (1952) (Ganador), La ley del silencio (1954) (Ganador) o Tora! Tora! Tora! (1971).
El ganador :
Max Rée
(7 de octubre de 1899, Copenhage, Dinamarca – 7 de marzo de 1963, Los Ángeles, california)
Danes de nacimiento. Trabajo para Max Reinhaldt en Berlin como diseñador de decorados.
En 1925 se trasladó a los Estados Unidos donde trabajo para la MGM en el diseño de vestuario de dos película de Greta Garbo. Volvió de nuevo a la escenografía teatral y en 1927 se unió a la First National donde era jefe del departamento de vestuario, siendo un maestro en la creación de vestidos de época. Rée se pasó para la RKO como director de supervición artística y diseñador de vestuario. Se retiró del cine un año después de ganar el oscar, solo regresando como diseñador de vestuario para el sueño de una noche de verano (1935)
La tercera ceremonia de los oscars se celebró el miércoles 5 de noviembre de 1930 en el Ambassador Hotel y participaron películas estrenadas entre el 1 de agosto de 1929 y el 31 de julio de 1930.
Las películas nominadas en esa ceremonia fueron:
Sin novedad en el frente de Lewis Milestone
La divorciada de Robert Z. Leonard
El presidio de George W. Hill
Disraeli de Alfred E. Green
El desfile del amor de Ernst Lubitsch
Película ganadora (Sin novedad en el frente)
Nominada a cuatro oscars (Película, director: Lewis Milestone, guión: George Abbott, Maxwell Anderson, Del Andrews y fotografia: Arthur Edeson). Consiguió el de película y director: Lewis Milestone.
En ella nos cuentan como unos jóvenes se alistan en el ejercito para luchar en la 1ª guerra mundial. La alegría y valentía inicial se vuelve miedo y desesperación cuando entran en combate y descubren que nada es como les contaban y que no hay ningún honor en morir por su país.
La película sigue a varios de esos jóvenes, en especial a Paul (Lew Ayres) y lo que en ella les sucede.
Es una crítica a las guerras y a quienes las provocan. En un momento se habla de ello durante la conversación de dos soldados cuando comentan que antes de mandar a jóvenes a morir por razones que no entienden, los autores : Rey, káiser, políticos, etc debían pegarse de puñetazos hasta que unos solo quedase en pie siendo este el vencedor, evitando de esa forma tanta muerte inútil.
La película está llena de hermosos aunque tristes pasajes:
La historia de las botas: Un soldado pierde sus piernas y un compañero le pide las botas puesto que él no va a necesitarlas más, el resto de compañeros le recriminan su actitud pero finalmente el soldado herido le entrega sus botas al ultimo soldado que le hacia compaña para que se las de a quien se las pidió. Una vez entregadas, la cámara sigue las botas en los pies de ese soldado: desfilando, entrando en combate y finalmente muriendo, quedando las mismas para otro que las necesite.
Ligoteo con las chicas francesas: Los soldados conocen a una chicas con las que acaban pasando la noche. Cuando están en cama, la cámara enfoca una esquina del cabecero de la cama donde esta el protagonista con su chica y este le dice que probablemente nunca vuelvan a verse y que aunque lo hicieran seguramente no se conocerían pero que ese momento recordará toda su vida.
la vuelta al hogar: Herido, Paul vuelve a casa para descubrir que nada es como recuerda y que todos quieren que le hable del orgullo de luchar por su país mientras el solo trata de olvidar.
Las disculpas del protagonista al soldado enemigo asesinado y que como él solo buscaba un refugio donde esconderse.
El bonito plano final de la mariposa en medio de la destrucción del campo de batalla.
La película se estreno en los Estados Unidos el 21 de abril de 1930.
Nominadas
El desfile del amor
Nominada a seis oscars (película, Director: Ernst Lubitsch, Actor protagonista: Maurice Chevalier, fotografía: Victor Milner, dirección artística: Hans Dreier y sonido: Franklin Hanser). No consiguió ninguno.
Dirigida por Ernst Lubitsch, nos cuenta como el conde Renard (Maurice Chevalier) es devuelto a su pais (Silvania) después de sus escándalos sexuales en París. Ello coincide con la búsqueda de pareja para la reina (Jeanette MacDonald) que no acaba de encontrar ninguno de su agrado. Renard aprovechara para seducirla.
La película es un divertimento que no acaba de divertir lleno de canciones y números musicales.
Se estreno el 19 de noviembre de 1929 en Estados Unidos.
La divorciada
Nominada a cuatro oscars (película, director: Robert Z. Leonard, actriz principal: Norma Shearer y guión: John Meehan). consiguió el de mejor actriz.
Dirigida por Robert Z. Leonard e interpretada en sus principales papeles por Norma Shearer, Chester Morris, Conrad Nagel y Robert Montgomery, cuenta la historia de Jerry (Norma Shearer) y Ted (Chester Morris) felizmente casados hasta que en el tercer aniversario de su boda, ella descubre que su marido le fue infiel. Ella se la devuelve acostándose con su mejor amigo. Cuando el marido se entera le dice que no es lo mismo que engañe el marido que la mujer, por lo que ella le dice que él sera el único hombre que no entre en su vida.
Es bastante sorprendente por el año de producción de la película, la libertad con que es tratada el tema de la libertad sexual de una mujer que tiene distintas relaciones y que no le debe cuentas a nadie. Imagino que en esas fechas había mas libertad en esos temas pero que pocos años después,con el código Hays, estos personajes femeninos serian tabúes.
Me gusta la sutileza como es tratado el tema de las relaciones de la esposa con sus distintos amantes, ya sea a través de unas cortinas cerradas y la luz apagándose o la cámara enfocando solamente las manos de la protagonistas y de los amantes que tratan de seducirla sin verse sus caras en ningún momento.
Es una pena que el atrevimiento inicial se pierda por culpa de un final más convencional.
Se estrenó el 19 de abril de 1930 en Estados Unidos.
El presidio
Nominada a cuatro oscars: película, Director (George W. Hill), Actor (Wallace Berry), Guión (Frances Marion) y sonido ( Douglas Shearer), consiguió el de guion y sonido.
Dirigida por George W. Hill e interpretada por Chester Morris, Wallace Berry, Robert Montgomery, Lewis Stone y Leila Hyams en los principales papeles.
En ella se cuenta como Kent (Robert Montgomery) Ingresa en la cárcel por matar a un peatón bajo los efectos del alcohol. Es enviado por el alcalde de la prisión (Lewis Stone) a una celda con dos peligrosos delincuentes: Butch (Wallace Berry) y Morgan (Chester Morris). En este momento, la película dejará de lado al personaje sobre el que parecía que giraría la acción, para centrarse primero en Butch y luego en Morgan. Esto no sucede porque si, ya que hay un motivo, aparte de ser giros de guión que no dejan de sorprender.
Así, el momento que Kent entra en las celdas donde están sus nuevos compañeros es aprovechado para conocer a Butch, convicto peligroso y follonero capaz de armarla donde se encuentre. Ejemplo: comedor o motín en la cárcel.
Por su parte, el personaje de Morgan, que había sido un mero acompañante de Butch, pasa a tomar el protagonismo después de la historia del cuchillo que acaba en sus manos en el momento menos adecuado.
Aunque posiblemente sea Chester Morris el que tenga mas minutos en pantalla, el nominado al oscar fue Wallace Berry. Esto no es extraño ya que es él quien tiene mejores momentos, como los momentos antes nombrados o su reaccion al recibir la carta.
La película se estreno en Estados Unidos el 14 de junio de 1930.
Disraeli
Nominada a tres oscars: película, actor (George Arliss) y guión (Julien Josephson). Ganó el de actor.
Dirigida por Alfred E. Green e interpretada por George Arliss, que se los merienda a todos, y luego los demás, entre los que destacan: David Torrance, Anthony Bushell y, una muy joven y muy guapa, Joan Bennet.
La película cuenta la compra del Canal de Suez por parte del primer ministro británico Benjamin Disraeli (George Arliss) antes de que los rusos se les adelanten y proteger así los intereses del país en la India.
Aunque se trata de una historia real, la manera de contarla está hecha como si de una película de aventuras se tratara, con «malvados» espías rusos y carreras contra reloj para que los ingleses «buenos» triunfen.
también se permite una doble historia de amor: una entre los dos jóvenes, Charles (Anthony Bushell) y Clarissa (Joan Bennet), con los que Disraeli ejercerá de Celestina particular después de que la chica rechace a su pretendiente por ser este demasiado estirado. La forma de hacer que este triunfe con la chica es meterlo en política. Para que luego digan que la política no es sexy.
George Arliss hace una excelente interpretación, aunque por momentos no puedo evitar verlo demasiado teatral y sobreactuado. Ejemplo: cuando finge estar enfermo.
Mención aparte merece el maquillaje y peluquería de su personaje, que sería oscar seguro si ese año existiese esa categoría.
La película se estrenó en Estados Unidos el 1 de noviembre de 1929.
Mejor director: Nominados y ganador
Ganador: Lewis Milestone (Sin novedad en el frente)
El resto de directores nominados ese año fueron: Clarence Brown (Romance y Anna Christie), Robert Z. Leonard (La divorciada), King Vidor (Aleluya) y Ernst Lubitsch (El desfile del amor).
Ernst Lubitsch
Robert Z. Leonard
Lewis Milestone
King Vidor
Robert Z. Leonard
El director: Lewis Milestone
Lewis Milestone ya había ganado el oscar como mejor director de comedia por Hermanos de armas (1927) en la primera ceremonia de los oscars y sería nuevamente nominado, aunque esta vez no lo ganaría, por Un gran reportaje (1931).
Su primera película fue Seven sinners (1925). Otras películas suyas fueron: La horda (1928) que estuvo en la categoría de mejor film en el año de inicio de entrega de los premios. También consiguió que dos películas suyas tuvieran a sus dos actores nominados: Adolphe Menjou como protagonista en Un gran reportaje (1931) y Akim Tamiroff, secundario en El general murió al amanecer.
Otras películas destacables suyas fueron: Un paseo bajo el sol (1945), El extraño amor de Martha Ivers (1946), Arco de triunfo (1948) y La cuadrilla de los once (1960). Su ultima pelicula Rebelion a bordo (1962) era un remake de La tragedia de la Bounty (1935).
Mejor actor: Nominados y ganador
Ganador: George Arliss (Disraeli)
Los nominados fueron: Wallace Berry (El presidio), Maurice Chevalier (The Big Pond y El desfile del amor), Ronald Colman (Condenado y El capitán Drummond), Lawrence Tibbett (La canción de la estepa) y George Arliss (Disraeli y The big Goddess).
George Talbott
Ronald Colman
Wallace Berry
Maurice Chevalier
George Arliss
El actor: George Arliss (1868.Londres- 1946. Londres
El oscar a George Arliss estableció varias curiosidades ya que fue el primer actor no americano en ganarlo. También fue el de mayor edad y el primero que ganaba un premio interpretando a un personaje real. Otro dato es que dicho personaje ya habia sido interpretado por el mismo actor en una versión muda. Esto ocurría también con otra película suya, The green goddess (1930) (1923)
Otras películas suyas: La oculta providencia (1932) y La casa de los Rothschild (1934)
Mejor actriz: Nominadas y ganadora
Gloria Swanson
Ruth Chaterton
Nancy Carroll
Greta Garbo
Norma Shearer
Las actrices nominadas fueron: Greta Garbo (Anna Christie y Romance), Nancy Carroll (The devil’s holiday) Ruth Chatterton (Sarah and son), Gloria Swanson (La intrusa) Norma Shearer (La divorciada y Their own desire).
La ganadora fue Norma Shearer (La divorciada)
La actriz: Norma Shearer
Curiosidades:
Estuvo casada con Irving Thalberg, jefazo junto a Louis B. Mayer de la MGM, quien le ofreció un contrato de cinco años en 1923. El contrato no solo aumento sino que la actriz podia tomar decisiones sobre los directores con los que trabajaba.
Hermana de Douglas Shearer. La curiosidad es que ese mismo año los dos ganaban un oscar, cada uno en su categoría correspondiente: actriz y sonido.
Fue cuñada del director Howard Hawks.
Estuvo nominada al oscar en cuatro ocasiones: Un alma libre (1930), Las virgenes de Wimpole Street (1934), Romeo y Julieta (1936) y Maria Antonieta (1938), además de las dos de este año.
Fue una de las candidatas a interpretar a Escarlata O,Hara de Lo que el viento se llevó.
Otras películas suyas: El principe estudiante (1927).
Mejor guión: Nominados y ganador
Nominados: Frances Marion (El presidio), George Abbot, Maxwell Anderson y Del Andrews (Sin novedad en el frente), Julien Josephson (Disraeli), John Meehon (La divorciada) y Howard Stabrook (Street of chance). El ganador fue Frances Marion por el presidio.
Howard Estabrook
John Meeham
Julien Josephson
Maxwell Anderson
George Abbott
Frances Marion
La guionista: Frances Marion (1888 San Francisco- 1973 Los Angeles)
Fue una de las más respetadas guionistas del siglo XX. Comenzó como asistente de la directora Lois Webber, lo cual hizo que Mary Pickford se fijara en ella y para la que escribió algunos de sus mejores personajes como: The poor little rich girl (1917) o Rebecca of the sunnybrook farm (1917). Marion Davies es otra actriz para la que creó grandes personajes, y la carrera de Marie Dressler fue recuperada gracias a ella.
Fue la primera mujer en ganar un oscar como guionista: el presidio(1930). volvió a ganarlo por El campeón (1931). Fue nominada además por El boxeador y la dama (1933)
Hasta la muerte de Irving Thalberg tuvo gran libertad creativa en la MGM.
Algunos de sus guiones fueron: Their own desire (1929), La canción de la estepa (1930), cena a las ocho (1933) y Margarita Gautier (1936)
Mejor fotografia: Nominados y ganador
Ganador: Joseph T. Rucker y Willard Van Der Veer (Con Byrd al Polo Sur). El resto de nominados fueron: Arthur Edeson (Sin novedad en el frente, William H. Daniels (Anna Christie), Tony Gaudio y Harry Perry (LOs angeles del infierno) y Victor MIlner (El desfile del amor)
Victor MIlner
Tony Gaudio
William H. Daniels
Joseph T. Rucker
Willard Van Der Weer
Arthur Eddeson
Fotografia: Joseph T. Rucker (1885. Atlanta – 1957 San Francisco y Willard Van Der Weer (1894. Nueva York- 1963 California)
Joseph T. Rucker
Joseph T. Rucker: Filmó la apertura del Canal de Panamá en 1915, el terremoto de Japón de 1923 y la guerra civil china en 1927. Durante la II guerra mundial cubrió el conflicto en el Pacífico.
Willard Van Der Weer
Willard Van Der Weer: La mayor parte de sus trabajos pertenecen a la TV, como por ejemplo las series Maverick (1960) o Cheyenne (1960-1962) para las que grabó varios capitulos.
Direccion artistica: Ganadores y nominados
Ganador: Herman Rose (King of Jazz)
Nominados:William Cameron Menzies (El capitan Drummond), Hans Dreier (El desfile del amor y El rey Vagabundo), Jack Ockey (Sally).
Jack Okey
William Cameron Menzies
Hans Dreier
Herman Rosse
Fotografia: Herman Rosse (1887. Amsterdam-1965. New York)
Participó para la Universal en el departamento de arte de Dracula (1931) y Frankenstein (1931) aunque sin acreditar.
Sonido : Nominados y ganador
Douglas Shearer
Franklin Hansen
Ganador: Douglas Shearer (El presidio)
Los nominados fueron: Douglas Shearer (El presidio), John E. Tribby (The case of sargeant Grischa), Franklin Hansen (El desfile del amor), Oscar Lagerstrom (Raffles) y George Groves (The song of flame)
Sonido: Douglas Shearer (1899. Quebec- 1971. Los Angeles)
Empezó en el cine trabajando para la MGM donde trabajaba su hermana Norma Shearer. Puso sonido a la película muda Sombras blancas en los mares del sur (1929). También trabajo en La melodia de Broadway (1929) que ganaría el oscar a mejor película.
Ganó siete oscars (5 en sonido y 2 en FX)y estuvo nominado catorce veces mas (10 en sonido y 4 en FX). Algunas de las peliculas por las que ganó el oscar fueron: San Francisco (1936) y El gran Carusso (1951) en sonido y 30 segundo sobre Tokio(1944) y La calle del Delfin Verde (1947) en FX. En cuanto a nominaciones: Viva Villa (1934) y La Señora MIniver (1942) en sonido y en FX El mago de Oz (1939) y la señora Miniver.
La segunda edición de los oscars se entregaron el 3 de abril de 1930 con las películas estrenadas entre el 1 de agosto de 1928 y el 31 de julio de 1929. Las películas nominadas a mejor pelicula fueron: La melodía de Broadway, La coartada, En el viejo Arizona, El patriota y The Hollywood revue of 1929. La ganadora fue La melodía de Broadway que además estaba nominada a mejor dirección (Harry Beaumont) y mejor actriz principal (Bessie Love).
Mejor película: La melodia de Broadway
Era bastante lógico que fuera esta la ganadora, no porque me parezca la mejor, si no porque representaba el progreso. El cine empezaba a hablar y premiando esta película estaban diciendo que eso es lo que venía y que el cine tal y como se conocía ya era historia. No sería lógico que se montara una parafernalia como la de La melodía de Broadway que estaba hecha para aprovechar al máximo todos los recursos que en ese momento contaban para hacer una película sonora, en la que además había números musicales impensables hasta ese momento sin la llegada del sonido, y luego premiasen otro tipo de película donde siguieran ofreciendo más de lo mismo aunque estas tuviesen mayor calidad o una mejor historia. Decir que el esquema de esta película fue copiado más tarde, repitiendo incluso el título de melodías de..., añadiéndole el año de producción de la misma.
Nominadas:
En el viejo Arizona
Película dirigida por Irving Cummings y protagonizada por Warner Baxter, Edmond Lowe y Dorothy Burguess que interpretan al bandido Cisco Kid, al hombre encargado de apresarlo y la mujer que enamora a los dos.
La película tuvo cinco nominaciones (película, dirección, actor principal, guión y fotografía) ganando la de actor principal, Warner Baxter, que está muy bien como el bandido Cisco Kid, una especie de ladrón bueno que cae bien a todo el mundo.
La coartada
Dirigida por Roland West e interpretada por Chester Morris, Mae Busch y Regis Toomey, estuvo nominada a mejor película, mejor actor principal (Chester Morris) y mejor dirección artística (William Cameron Menzies).
En ella cuentan como un hombre que acaba de salir de la carcel empieza a salir con la hija de un policia para asi tener una coartada para el próximo atraco con su banda.
Destacar los experimentos con el sonido, sobre todo al principio de la película: El policia girando la porra, la campana, las puertas abriendose y comenzando a desfilar el cuerpo de policias. Todo perfectamente sincronizado y con unos decorados que destacan en esta escena y en la del club nocturno.
Muy buena tambien la interpretación del gangster que hace Chester Morris. Destacar, además, a Regis Toomey, aunque este tienda demasiado a la sobreactuacion en bastantes momentos.
The Hollywood Revue 1929
Dirigida por Charles Reiner, no es más que una sucesión de números musicales, unos mejor que otros y que vista hoy es incomprensible que estuviese nominada a mejor película ese año.
En la película salen prácticamente todos los actores de esa época por lo que puede ser interesante aquellos momentos en que aparecen los más conocidos, por ejemplo, Buster Keaton, aunque sus números no sean los mejores.
Destacar algunas escenas en color (Romeo y Julieta) o los efectos especiales en escenas como por ejemplo en la que Jack Benny saca a una diminuta Bessie Love del bolsillo de su traje.
Destacar también el doble número de cantando bajo la lluvia, antes de ser conocido, al menos por mi, por la película del mismo titulo, lo guapas que eran la mayoría de las actrices y algunos números donde su integridad física corría mas que peligro.
El patriota
Dirigida por Ernst Lubitsch e interpretada por Emil Jannings, Florence Vidor, Lewis Stone, Vera Voronina.
Estuvo nominada a cinco premios oscar: película, direccion (Ernst Lubitsch) Actor principal (Lewis Stone), guión (Hanns Kräly) y dirección artística (Hans Dreier) ganando el de guión.
Aunque se conserva un trailer de ella, toda la película se perdió, siendo la única de los oscars nominada a mejor película que no se puede ver.
Mejor director: Frank Lloyd (Trafalgar)
En los oscars nominan películas que luego no tienen nominados sus directores o directores cuya película no es después nominada. Esto lleva sucediendo desde que se crearon los premios. En este año, el ganador a mejor dirección fue Frank Lloyd por la película Trafalgar (The divine lady) película que no estaba nominada a mejor película, como si estaban las de los otros directores nominados: Harry Beaumont(La melodía de broadway), Irving Cummings(En el viejo Arizona), Ernst Lubitsch (El patriota). También estuvo nominado Lionel Barrimore(La mujer X) película tampoco nominada. Frank Lloyd fue ademas nominado por las películas: Drag y La cárcel redentora.
Harry Beaumont
Ernst Lubitsch
Lionel Barrimore
Irving Cummings
Frank Lloyd
La película: Trafalgar (The divine lady)
Cuenta la historia de Lady Hamilton (Corinne Griffith) y su romance con el almirante de la armada inglesa Horacio Nelson.
El título original (The divine lady) se ajusta mas a lo que vemos, ya que la mayor parte de la acción recae en la protagonista femenina, que el titulo que le pusieron en España (Trafalgar) aunque este sea de gran importancia.
La película estuvo nominada ademas a actriz principal (Corinne Griffith) y fotografía (John F. Seitz).
El director: Frank Lloyd
Empezó en el cine como actor pero lo dejo para convertirse en director.
En sus primeros años como director dirigió varias adaptaciones de obras clásicas de la literatura: Historia de dos ciudades, Los miserables o Oliver Twist. Esta ultima trabajando para la First National/Warner Brothers con la que hizo algunas de las mejores películas de esos años: La llama eterna (1922) o El gavilán de los mares (1924).
En 1929 recibio el oscar por la dirección de Trafalgar (1929) siendo el segundo director en ganarlo.
En la década de los 30 es cuando realizo las mejores películas: Cabalgata (1933), La plaza de Berkeley (1933), La tragedia de la Bounty (1936), Bajo dos banderas (1937) o Si yo fuera rey (1938). Por Cabalgata y La tragedia de la Bounty fue nominado a mejor director, ganando por la primera.
Participo en la II guerra mundial donde realizo algunos documentales. Su ultima película fue La última orden (1955).
Mejor actor principal: Warner Baxter (En el viejo Arizona)
En esta categoría estuvieron también nominados: Chester Morris (La coartada), George Bancroft (Thunderbolt), Paul Muni (El valiente) y Lewis Stone (El patriota)
Lewis Stone
Paul Muni
George Bancroft
Chester Morris
Warner Baxter
El actor: Warner Baxter
Comenzó como extra en 1914 y consiguió su primer papel protagonista en la película Sheltered daughters (1921). Otros papeles destacables en esa época fueron en El gran Gatsby (1926) y Aloma of the SouthSeas (1926).
Su película más famosa fue En el viejo Arizona (1929) por la que ganaría el oscar y cuyo personaje interpretarla en dos ocasiones mas: The Cisco Kid (1931) y The Return of the Cisco Kid (1939)
Otras películas suyas fueron: La calle 42 (1933), Estrictamente confidencial (1934) o Prisionero del odio (1936)
Mejor actriz: Mary Pickford (Coqueta)
Las nominadas a mejor interpretación femenina fueron: Ruth Chatterton(Madame X), Betty Compson(The Barker), Jeanne Eagles (The Letter), Corinne Griffith(Trafalgar), Bessie Love (La melodía de Hollywood) y Mary Pickford(Coqueta), siendo esta la ganadora por la interpretación más sobreactuada de los premios hasta ese momento.
Bessie Love
Corinne Griffith
Betty Compson
Jeanne Eagles
Mary Pickford
Ruth Chatterton
La película: Coqueta
Dirigida por Sam Taylor y protagonizada por Mary Pickford, Johnny Mack Brown, Matt Moore, John St. Polis.
En ella se cuenta como Norma (Mary Pickford) joven de la alta sociedad, que tiene a todos encandilados, se enamora de un joven, cuya posición social muy inferior a la suya, no gusta a su posesivo padre. El enamorado decide irse un tiempo para labrarse un futuro que darle a su chica. El drama se desencadenará a su vuelta, cuando regrese fracasado y el padre de ella tome cartas en el asunto.
La actriz: Mary Pickford
La llamada «novia de América» comenzó en el cine en 1909 trabajando en cortos dirigidos por David. W. Griffith llegando a convertirse en una de las mujeres mas poderosas de la industria. En 1919 fundó, junto a Charles Chaplin, David W, Griffith y Douglas Fairbanks, su propia productora: United Artists.
Cansada de su imagen de eterna adolescente en películas como La pobre rica (1917), Rebecca, la de la granja sol (1917), Papa piernas largas (1919), Pollyana (1920) abandono eso papeles, teniendo que volver a ellos, cuando ya de adolescente no tenia nada, ya que el publico no respondía.
Su ultima película muda fue My best girl (1927) y en 1929 protagoniza Coqueta, con la que debuta en el cine sonoro y que le proporciona un oscar como mejor interprete femenina. Abandonó la interpretación, aunque no el cine ya que siguió como productora, en 1933 con la película Secretos.
Mejor Guión: Hans Kralÿ (El patriota)
Los nominados a mejor guión fueron:
Hans Kralÿ (El patriota y he last of Mrs Cheney)
Tom Barry (En el viejo Arizona)
Elliot Clawson(The cop, The leatherneck, Sal of Singapore y Skycraper)
Josephine Lovett(Our dancing daughters)
Bess Meredith(A woman affairs y Wonder of women)
siendo ganador Hans Kralÿ por El patriota.
Hans Kralÿ (Hamburgo 1884 – Los Angeles 1950)
Actor y guionista de origen alemán y colaborador habitual de Ernst Lubitsch con el que trabajó en películas como Carmen (1916) Ana Bolena (1920) o El patriota (1929). Volvió a ser nominado en 1938 por la historia de Loca por la música (1937).
Mejor fotografia: Clyde De Vinna (Sombras blancas en los mares del sur)
El ganador del oscar por la mejor fotografia fue Clyde De Vinna por Sombras blancas en los mares de sur. El resto de nominados fueron:
George Barnes ( Virgenes modernas)
Arthur Ederson (En el viejo Arizona)
Ernest Palmer(Los cuatro diablos y El ángel de la calle)
John F. Seitz(Trafalgar)
Clyde de Vinna (Missouri 1890 – Los Angeles 1955)
Entre otras peliculas, trabajo en Ben-Hur (1926), Trader Horn (1931), Tarzan de los monos (1932), Ave del paraiso (1932), Eskimo (1933), Tarzan y su compañera (1934), La isla del tesoro (1934) o Mares de China (1935)
Mejor dirección artistica: Cedric Gibbons (El puente de San Luis Rey)
El premio a la mejor dirección artitica fue para Cedric Gibbons por El puente de San Luis Rey. Con el estuvieron nominados:
William Cameron Menzies(La coartada y The awakening)
Hans Greier (El patriota)
MItchel Leisen (Dinamita)
Harry Oliver(El ángel de la calle)
Cedric Gibbons (Dublin 1893 – Los Angeles 1960)
Su nombre aparece en mas de 1500 películas para la MGM, aunque directamente participara en unas 150.
Fue uno de los miembros fundadores de la academia de artes y ciencias cinematográficas, ademas de ser el diseñador la estatuilla del oscar.
Fue el director de arte más nominado de la historia con 39 nominaciones, ganándolo en once ocasiones: El puente de San Luis Rey (1928), La viuda alegre (1934), Mas fuerte que el orgullo (1940), DE corazón a corazón (1942), Luz que agoniza (1945), El despertar (1947), Mujercitas (1949), Un americano en París (1951), Cautivos del mal (1952), Julio Cesar (1953), Marcado por el odio (1956). Entre las nominadas: Romeo y Julieta (1936), El gran Ziegfeld (1936), El mago de Oz (1939), Quo Vadis (1951), Lili (1953), Brigadoom (1954) y El loco del pelo rojo (1956).
A estas alturas ya se sabe que Alcarràs es la película elegida para representar a España en los oscars. A las puertas se quedan Cinco lobitos y As bestas. Aunque celebro que, al menos, no decidieran llevar Cinco lobitos, me entristece que no arriesgasen más y se decidieran por As bestas y no por esa sosez de Alcarràs, que por mucho premio en Berlín, le veo pocas posibilidades y, ojalá me equivoque. Pero ya se sabe, pues quedó demostrado hace unos años con O que arde, lo gallego apesta y siempre es mejor llevar representación catalana que tienen más caché. No vaya a ser que mostrar gente de la aldea con acento gallego haga quedar mal a los españolitos. Mejor con acento catalán que para los del jolibu les llena más.
Paso ahora a hablar de las tres, empezando por la que menos me gustó hasta la que me parece la mejor.
Cinco lobitos de Alauda Ruiz de Acosta
Siento no conectar con la película, por mucho premio en Málaga y más que seguro Goya a mejor dirección novel y posibles nominaciones a sus dos protagonistas femeninas, y eso que iba con muchas ganas y confiado en que me iba a gustar, pero es que no aguanto a esas dos mujeres, continuamente amargadas y uno no sabe porque. Quizás porque no soy mujer y me es imposible ponerme en su lugar, pero sinceramente, ambas dos me parecen unas verdaderas gilipollas.
Pues la película empieza con la niña que acaba de ser madre (en realidad no es tan niña aunque aparenta muy jovencita) y el mundo se le viene encima. Se agobia mucho porque su bebé llora. Le riñe a su pareja, a saber porque, ya que tampoco se ve que sea un jeta, pero puedo llegar a entenderla porque me parece muy jovencita, pero cuando me entero que la criatura tiene 35 años, alucino. Y encima le parece mal que el marido (o novio) se vaya a trabajar. También es cierto que al marido, se inventan lo del trabajo para sacarlo de circulación, ya que con un inútil llega. Me refiero al padre de la protagonista que durante más de 30 años tuvo que aguantar, a saber porque, a una déspota. Aparte de aguantarle una cornamenta sin queja alguna.
De tal madre, tal hija y viceversa, y esta señora está continuamente cabreada con el mundo y la busca cualquier excusa para tomarla con el marido, que pasa de ser un pedazo de pan a un completo inútil por obra y gracia del guión. A la tía le molesta que su marido cante en una reunión con unos amigos, le monta un Cristo cuando le dice que la comida está sosa y en un momento dado le dice a su hija que una vez le lanzó un cenicero. Una joya de mujer, vamos. Y yo lo entendería si se viese a ese hombre hacer algo desagradable, ser un sinvergüenza, pero no. Es simplemente un mueble que está ahí sin hacer ruido.
Luego está el giro hacia mitad de película de lo que no voy a hablar pero que siempre tengan que recurrir a eso, cansa. Debe ser que la trama de madre primeriza sobrepasada por la vida que le tocó, no le ve mucho más que contar, pues meten lo otro que así son más sufridoras.
Y posiblemente en otras circunstancias, derramaría lágrimas por esas dos mujeres, pero como me parecen unas déspotas me da igual lo que les pase.
Luego está la otra madre con la que se encuentra en el parque y con la que intenta entablar una conversación y que resulta que es otra madre amargada superada por la vida y la mira con desprecio en un plan de «¿Qué me estás contando?», y es que en esta película todas están amargadas. Ya sé que es un momento insignificante pero me llama la atención, pues de las veces que coincido con señoras con niños en los parques no veo lo que muestran en la película. Y, al final, no me acaba de quedar claro si la película deja bien a las mujeres o las deja como el culo.
Para acabar, decir que pese a todo lo dicho anteriormente, la película resulta entretenida. Hay unas buenas interpretaciones de los tres protagonistas: Laia Costa, Susi Sánchez y Ramón Barea. No incluyo a Mikel Bustamante ya que apenas está. Otra cosa es que no me caigan bien pero los tres están estupendos. Tiene algunos momentos emotivos muy logrados y que no acaben de llegarme es por lo dicho más arriba, y tiene a una bebita preciosa ( en realidad son varios pero todos encantadores) aunque muy llorona. Me recordaba a mí que también fui un bebé rompehuevos y me pasaba las noches berreando.
Alcarràs de Carla Simon
Con Alcarràs tengo, un poco, una historia de amor/odio. Es una película que funciona muy bien (esa gente dedicada a la recolección de melocotones, sus problemas con las ventas, los problemas con los precios, las nuevas técnicas y la problemática acerca de una forma de trabajar y de vivir) pero es una película que no me emociona.
Su formato, como de documental, sin llegar nunca a serlo , usándo de protagonista a actores no profesionales, le da un toque realista pero, a la vez, falla pues no acabas de creértelos por su falta de naturalidad. No incluyo a los niños, en especial, esa niña robaescenas, robapantallas y roba todo que, desde el primer momento en el que aparece en la primera escena de la película, ya me tiene conquistado por su naturalidad. Cosa que no puedo decir de los actores o actrices adultos.
Y sí… La película ganó el premio gordo en Berlín, pero no la veo como finalista en los oscars. Más que nada porque Europa no son los Estados Unidos y lo que funciona en un lugar no funciona en el otro. Y ojalá me equivoque y la película entre entre las cinco finalistas.
As bestas de Rodrigo Sorogoyen
Una de las mejores películas del año y, posiblemente, la mejor de su director. Es cierto que su parte final baja mucho en intensidad y ritmo pero el camino hasta ahí es perfecto. Gran parte del mérito está en ese actorazo llamado Luis Zahera que, cada vez que está en pantalla, hace temblar a cualquiera. Sin desmerecer, claro está, a los demás actores y actrices ni a su director que consigue escenas de gran tensión dramática.
Excelente también en los cara a cara entre dos o más actores, como la discusión entre madre e hija o el cara a cara entre los dos hermanos y el vecino francés en la taberna del pueblo.
Es la película, además, un estupendo western cambiando conflicto ganadero-granjero por conflicto por eólicos.
La película es como una bola de nieve que va creciendo y creciendo hasta que revienta en uno de esos momentos que dan auténtico miedo. La pena es que después de esto pierde fuerza y su ritmo cambia y hace que parezcan dos películas distintas. No desmerece pero si creo que hay escenas muy alargadas y tiempos muertos que se podían haber reducido. Aún así, como ya dije, de lo mejor de este año y la mejor opción que España tenía de cara a los oscars.
La ceremonia de los premios oscars de este 2022 pasará a la historia, no porque la película ganadora de visibilidad a la comunidad sorda, de sus valores artísticos hablamos después. Tampoco por ser la tercera (y segunda consecutiva) donde una directora gana el premio a mejor dirección. No. La ceremonia será recordada por el sopapo que Will Smith, luego se levantaría de nuevo pero no para dar otro guantazo si no para recoger su oscar, le propinó al cómico Chris Rock después de que este hiciese un mal chiste a costa de la enfermedad (alopecia) de Jada Pinkett, mujer del primero.
Bien. Después de esta introducción de la que se habla más que de los premios paso a hablar de los mismos.
Ya dije en la introducción que la ganadora del oscar a mejor película CODA, que sin verla mucho me temo que no puede ser superior ni a El poder del perro, ni a Licorice Pizza, ni tampoco a Belfast, película también muy criticada por su blandengue mirada al conflicto de Irlanda.
CODA, a parte de llevarse el oscar a mejor película, se llevó el de mejor guión adaptado, allí estaba El poder del perro, y el de mejor actor secundario para Troy Kotsur, que se convierte en la segunda persona sorda en ganar un oscar.
No puedo, de nuevo, opinar sobre el premio sin verlo. Mi favorito era Ciaran Hind por Belfast. Eso sí, me alegra que no se lo diesen a Kodi Smit-McPhee de El poder del perro después de la cara de asco que puso cuando no le dieron el bafta, perdiéndolo contra el mismo actor de CODA.
En el caso de el oscar a mejor dirección no debería haber discusión. Jane Campion.
Con este premio, la academia daba por hecho que El poder del perro, con 12 nominaciones, era lo único que merecía. No es poco el premio a mejor dirección, aunque sí teniendo en cuenta que al menos merecía unos tres o cuatro más, entre ellos el de mejor película; lo que me hace pensar que entre la academia y Netflix no hay buen rollo.
En interpretación, tanto masculina como femenina ya sea en principal o secundaria ganaron los favoritos: Will Smith por El método Williams, Jessica Chastain por Los ojos de TammyFaye, Troy Kotsur por CODA y Ariana DeBose por West Side Story. Mis favoritos en estos apartados eran Andrew Garfield por Tick, Tick… Boom!, aunque Benedict Cumberbatch por El poder del perro también me parecía un digno ganador. En el caso de Will Smith, creo que lo mereció mucho antes cuando hizo Ali.
En el caso del oscar a actriz secundaria, aunque no me desagradó la premiada, aunque pueda parecer un oscar para las estadísticas (mismo personaje vuelve a ser premiado años después), tenía predilección por Kirsten Dunst de El poder del perro. Como puede verse a dicha película la llenaba de premios.
Ya lo más sangrante es el oscar a la Jessica Chastain de Los ojos de Tammy Faye, donde vuelven a premiar a una máscara. Ya puede hacer un papelón. Yo, si no soy capaz de reconocer a la actriz o actor debajo de kilos y kilos de maquillaje, no me gusta. Y Jessica tiene personajes, con o sin nominación, bastante mejores que este híbrido entre Carmen Sevilla, Ana Kiro y Aramis Fuster. Tammy Faye se llevó también el premio a mejor maquillaje, algo lógico según lo mencionado antes.
Guión original se lo llevó Belfast de Kenneth Brannagh, aunque Licorice Pizza de Paul Thomas Anderson creo que era más merecedor… Y otra vez que el señor Anderson se va de vacio.
Luego, lo que llaman premios menores, motivo por el que cometieron insulto mayor que lo de Chris Rock a Jada Pinkett y agresión mayor que la de Will Smith a Chris Rock, fue sacar 8 de esos premios fuera de la gala. Aquí prácticamente se lo llevó todo Dune: montaje, música, diseño de producción, fotografía, sonido y efectos visuales. Se queda sin vestuario que fue para Cruella (obvio tratándose de película sobre la moda), el ya nombrado maquillaje, guión adaptado y película (doble obvio).
El oscar a la mejor canción fue para Sin tiempo para morir, última película de James Bond hasta el momento y última de Daniel Craig como 007, y la mejor película de habla no inglesa fue para la película japonesa y favorita en las quinielas Drive my car.
Ya en cortos (ficción, documental o animación) y largo documental ganaron The long goodbye (ficción), The Queen of the basketball (corto documental) y Summer of soul en largo documental y El limpiaparabrisas (corto de animación), con la que la representación española se vió recompensada o, al menos, su director Alberto Mielgo.
En largo de animación deberían empezar a tomar ejemplo de los cortos y nominar películas más allá de Disney (este año tenían tres y sólo una valía la pena, Luca, que por supuesto no ganó) ya sea de otros países como otro tipo de animación y no estos clones continuos.
Vale. La ganadora a mejor película de animación fue Encanto, y como se puede apreciar, no me encantó. Aunque peor sería que se lo diesen a Raya y el último dragón.
El 27 de febrero de 1935 en el Biltmore Hotelde Los Angeles se celebraba la séptima edición de los premios oscars. Era la primera vez que las películas nominadas fueron estrenadas en el año anterior.
Montaje, cancion y musica original fueron las categorias añadidas en ese año.
Fue, tambien, la primera vez en que se permitieron votaciones por escrito, aparye de las oficiales
Historia de la reina de Egipto y sus amorios con Julio Cesar, primero, y Marco Antonio, después, manejados a su antojo por una mujer extremadamente inteligente. Todo visto bajo la mirada de Cecil B. DeMille, tan dado a la grandilocuencia y fastuosidad.
La película destaca en la interpretación de Claudette Colbert, una Cleopatra que no tiene nada que envidiar a la más popular Cleopatra de Elizabeth Taylor, cuyas parejas masculinas (Warren William: Julio Cesar y Henry Wilconson: Marco Antonio) se quedan cortos ante el carisma de la actriz.
Se estrenó el 5 de octubre de 1934 en Estados Unidos y en España su estreno fue el 10 de diciembre de ese año en Madrid.
La alegre divorciada (Mark Sandrich)
5 nominaciones: 1 premio: Película, Banda sonora original, canción: The Continental (Ganador), diseño de producción, sonido.
Desconozco si la canción El continental ganó el oscar por la promoción que durante la película hacen de ella, ya que están continuamente nombrándola; y en la vida real debió ser mucho más exagerado, casi diria que si. Eso no quita que sea una muy buena canción dentro de una buena pelíula.
La película tiene uno de los numeros musicales mas grandes de la historia, a Fred Astaire da gusto verlo bailar, Ginger Rogers se deja llevar estupendamente, la película (muy tonta ella) es un estupendo divertimento, pero la palma se la llevan Edwars Everett Horton y Alice Brady (Pinky y Tia Hortense, respectivamente), secundarios de lujo y autenticos robaescenas de la no menos excekente pareja Rogers – Astaire.
El estreno de la película fue el 12 de octubre de 1934 en USAy enEspaña, el el 4 de octubre de 1935.
Dirigida por Victor Schrtzinger y protagonizada por Grace Moore, Tullio Carminati, Lyle Talbot y Mona Barrie.
Cuenta como una aspirante de opera (Grace Moore) se pone bajo la tutela de un tal Monteverdi(Tulio Carminati), nada que ver con el famoso compositor, del que acaba enamorándose. El lío viene cuando ella rompe su relación con su pareja (Lyle Talbot) y los celos de la anterior amante de Monteverdi (Mona Barrie) que hará lo posible por destruir relación y carrera de ambos.
La película cuenta con la unica nominación que tuvo la actriz Grace Moore, que poco después se retiraría al no volver a tener un éxito semejante y otras vicisitudes, como que el intento de convertirla en pareja de Maurice Chevalier se quedara en nada por la negación de este de compartir la máxima facturación de la película.
También es la primera película que ganó el oscar a la mejor banda sonora original que fue a parar a Louis Silvers. Su otro oscar fue para John P. Livadary por su sonido.
Vista hoy en día se queda demasiado encorsetada, sobre todo en una interpretación excesivamente teatral, pero sirve como curiosidad.
Estreno en USA: 5 de septiembre (Premiere) Los Angeles, California; 6 de septiembre, Nueva York y 15 de septiembre en todo el país.
En España se estrenó el 11 de octubre de 1935 en Barcelona; y el 23 de octubre de ese año en Bilbao.
Imitación a la vida (John M. Stahl)
3 nominaciones: Película, asistente a dirección, sonido.
1934 fue un año prolífico para Claudette Colbert. De cuatro filmes protagonizados por la actriz, tres fueron nominados a mejor película y, una de ellas, recibia el oscar a mejor película y le daba el oscar a mejor actriz. No era esta. La película, en cuestión, fue Sucedió una noche; y esto viene a cuento para comprobar la versatilidad de una actriz grandiosa, que lo mismo funcionaba en una comedia, en un drama historico, al estilo Hollywood o, como en esta ocasión, un dramón lacrimogeno con todas las papeletas para convertirse en un gran exito.
Se cuenta la historia de una joven viuda, madre de una niña pequeña, que entabla amistad con su sirvienta negra, y de como esta la vuelve rica gracias a su buena mano con las galletas. La mujer negra tiene una hija de piel muy clara que, con el paso del tiempo, hará que repudie de su madre y de su raza.
Aunque la película cuenta la amistad entre dos mujeres de distinta clase social y raza, no evita cierto componente racista, apreciado ahora aunque en la época se viese normal. Así, pese a ser la mujer negra quien hace rica a la protagonista, esta no deja de ser nunca una doncella; incluso en las reuniones sociales que hace la protagonista, su amiga no entra en ellas ya que no son de la misma clase.
El 23 de noviembre de 1934 era estrenada en Estados Unidos.
La cena de los acusados (W. S. Van Dyke)
4 nominaciones: Película, director (W. S. Van Dyke), actor (William Powell), guión (Frances Goodrich, Albert Hackett)
La desaparición de un hombre acusado de varios asesinatos, padre de una joven, a punto de casarse, y amigos de una pareja de detectives (él, no ella) hace que este empiece a investigar el caso, provocado, sobre todo, por el ansia de aventuras de su esposa.
La quimica que se desprende entre la pareja protagonista (Mirna Loy y William Powell) es de lo mejor de la película, al igual que el sentido del humor de ambos, hace que esta sea un pasatiempo de lo mas recomendable.
El caso investigado, entre tanto personaje, se hace lioso y hay que aceptar la resolución que le dan, pero poco importa, ya que es un placer disfrutar de esos grandes bebedores de whisky y cockteles varios (no hay un momento que no estén tomandose un lingotazo).
La película está basada en la novela del mismo nombre, me refiero al título original, no esta traducción de La cena de los acusados que se marcaron para el mercado español, de Dashiel Hammett, y fue tal el éxito que llegaron a hacer cinco peliculas más basadas en los mismos personajes pero, ya, no basadas en novelas del autor, aunque este si estuvo presente en los guiones de las mismas.
La película se estreno el 25 de mayo de 1934 en Estados Unidos, y en España el 11 de febrero de 1935.
Protagonizada por Dick Powell, Ruby Keeler y Pat O’Brien y dirigida por Frank Borzage, cuenta la historia de un joven cadete (Pat O´Brien) que conoce y se enamora de la hija (Ruby Keeler) del general (Pat O’Brien) sin saber que esta está comprometida. Antes de que se forme un esc´andalo, siguen caminos distintos pero el destino es caprichoso y volverán a encontrase.
La película tiene romance, desengaños amorosos, números musicales (sobretodo en la ultima parte) y, ante todo, es un alegato propagandístico a mayor gloria de las fuerzas armadas.
Se estrenó el 1 de diciembre de 1934 enUSA.
Aquí viene la armada (Lloyd Bacon)
1 nominación: Película.
La legión blanca (Irving Cummings)
2 nominaciones: Película y sonido.
Dirigida por Irving Cummings y protagonizada por Loretta Young y John Boles.
Las virgenes de Wimpole Street (Sidney Franklin)
2 nominaciones. Película y actriz (Norma Shearer)
Dirigida por Sidney Franklin y protagonizada por Norma Shearer, Charles Laughton, Fredric March y Maureen O’Sullivan, entre otros.
La premiere de la película se realizo el 14 de septiembre de 1934 en Pittsburgh, Pensilvania, siendo su estreno el 21 de ese mismo mes.
En España se estrenó el 28 de enero de 1935.
La casa de los Rothschild (Alfred L. Werker, Sidney Lanfield)
1 nominacion: Película.
Nominada al oscar a mejor pelicula, narra la historia de los Rothschild, magnates judios de la banca y dueños de una de las mayores fortunas del mundo. En ella se narra como llegan a conseguir su fortuna y su lucha contra el resto de la banca por su condición de judios.
Sorprende ver como George Arliss, que hace un doble papel como patriarca de la familia y como uno de los hijos que tiene su imperio en LOndres (la manera de hacerse fuerte de los Rothschild era que cada uno de los hijos entrasen en el negocio de la banca desde una ciudad europea importnte y que ninguno tomase ninguna decisión sin que lo consultasen entre ellos), no estuviese ni nominado al oscar. Es cierto, tambien que hay una estereotipación del la raza judia cuando estos hacen sus torres de monedas y sus excesos usureros.
El 14 de marzo de 1934 se realizo la premiere de la pelicua en Nueva York y el 7 de abril se estrenó por todo el pais. A España llegó el 15 de octubre de ese mismo año.
La pelicula ganadora
Sucedió una noche
Nominada a cinco oscars y ganadora de esos mismos cinco: Película, director: Frank Capra, Actor: Clark Gable, Actriz: Claudette Colbert, Guión: Robert Riskin. Fue la primera vez que una película ganaba los cinco oscars principales, hito que solo se repetiría dos veces hasta ahora: En 1975 con Alguien voló sobre el nido delcuco y en 1991 con El silencio de los corderos.
Se cuentan las andanzas de una consentida heredera (Claudette Colbert) que se fuga para casarse con alguien a quien su padre no acepta. En su huida conocerá a un periodista charlatán y encantado de conocerse (Clark Gable). Y todo el mundo sabe lo que va a pasar. Y todo el mundo encantado de que pase.
Película por la que pasaron casi 90 años y que sigue gustando como el primer día.
Escenas como las de las trompetas de Jericó o el autoestop a base de enseñar pierna siguen siendo efectivas hoy en día… Y que bien queda un plantón el mismo día de la boda en el cine. En la vida real dudo que haga tanta gracia.
Algunos datos curiosos de la película:
La escena donde Clark Gable se quita la camisa y se queda en pan pecho lobo, propició que la venta de camisetas cayeran en picado. El caso que se prescindió de esta pues el actor tenia problemas para sacarla y mantener su gracia inequívoca.
Columbia, productora de la película, era considerada una productora de segunda fila. El éxito de esta y sus premios hicieron que se codease con las primeras mayors.
Era una de las peliculas favoritas de Hitler y Stalin.
La pelicula fue lanzada sin apenas publicidad y estrenada en cines de poco cache donde, al instante, arrasó en taquilla y se convirtió en la más taquillera de la Columbia hasta ese momento.
Mejor dirección
Frank Capra por Sucedió una noche
Victor Schrtzinger por Una noche de amor. Única nominación.
W.S. Van Dyke por La cena de los acusados. Primera de dos nominaciones. La segunda en 1937 por San Francisco.
El director ganador
Frank Caprapor Sucedio una noche
(18 de mayo de 1897, Bisacquino – Sicilia (Italia) – 3 de septiembre de 1991, La Quinta, California (USA)
Nominado el año anterior por Dama por un día, protagonizó uno de los momentos bochornosos de los oscars (superado por Warren Beatty y Faye Dunaway con lo de La La Land), cuando al oir Frank sube, subió. Claro que había otro nominado: Frank Lloyd que era el ganador.
Anedocta al margen, Frank Capra tomó revancha y subió tres veces mas, esta vez como verdadero ganador por El secreto de vivir (1936) y Vive como quieras(1938). Además de ser nominado en otras dos ocasiones: Caballero sin espada(1939) y ¡Qué bello es vivir! (1946).
Oscars aparte, Capra es autor de películas como Horizontes perdidos(1937), Juan Nadie (1941), Arsenico por compasión(1944) o Un ganster para un milagro(1961), remake de la película por la que subió a recibir el oscar sin ser ganador. Aún así, fue llamado Capra- Corn por la critica de la epoca por sus películas llenas de buenas intenciones.
En periodo bélico dirigió documentales propagándisticos bélicos pertenecientes a la serie ¿Porque luchamos?, La batalla de Inglaterra, La batalla de Rusia o Divide y conquistaras son algunos de ellos.
Actores nominados
Clark Gable por Sucedio una noche. Tres nominaciones: Sucedió una noche(1934), Rebelión a bordo(1935), Lo que el viento se llevó (1940). Lo ganó por esta película.
Frank Morgan por El burlador de Florencia. Primera de dos nominaciones. La segunda vendría en el año 1943 por La vida es asi (1942)
William Powell por La cena de los acusados. Primera de tres nominaciones. Las siguientes fueron en 1937 por Al servicio de las damas y en 1948 por Vivir con papá.
El actor ganador
Clark Gablepor Sucedio una noche
(1 de febrero de 1961 en Cadiz, Ohio, USA – 16 de noviembre de 1960, Los Angeles, California, USA)
Algunas de sus películas destacadas son: La tragedia de la Bounty(1935), San Francisco (1936), Mogambo (1953) o Vidas rebeldes (1961). Po supuesto tambien esta por la que ganó el oscar, Sucedió una noche, y, como no, Lo que el viento se llevo).
Comenzó como extra en el cine mudo y en 1930 protagonizó El desierto pintado, su primera película hablada. En esa decada se convirtió en una leyenda con películas como Tierra de pasión(1932), El enemigo publico numero 1(1934) o Sucedio una noche (1934).
Su ultima película, Vidas rebeldes(1961), se estrenó al año de su muerte.
Parece ser que era el actor favorito de Hitler y durante la guerra ofreció recompensa a quien se lo trajera vivo.
El oscar que ganó por Sucedio una noche se lo regaló a un niño que lo admiraba. Este se lo devolvió a la familia del actor despues de su muerte.
Ha aparecido en cinco películas que fueron nominadas al oscar: Sucedió una noche (1934), La tragedia de la Bounty (1935), San Francisco (1936), Piloto de pruebas (1938) y Lo que el viento se llevó (1939), y las tres por la que estuvo nominado, ganaron el premio a mejor película.
Actrices nominadas
Claudette Colbert por Sucedio una noche. Primera de tres nominaciones. Lo ganó por esta película. Las siguientes nominaciones fueron Mundos privados (1935) y Desde que te fuiste (1944)
Bette Davis por Cautivo del deseo. Fue una de las actrices más nominadas de la historia. Cautivos del deseo fue su primera interpretación nominada. Ganó dos oscars: Peligrosa(1935) y Jezabel(1938). Su ultima nominación al oscar fue en 1963 por ¿Que fue de Baby Jane?
Grace Moore por Una noche de amor. Primera y unica nominación.
Norma Shearer por las virgenes de Wimpole Street. Esta era la cuarta nominación para la acriz. En 1930 habia ganado el oscar por La divorciada (1930)
La actriz ganadora
Claudette Colbertpor Sucedio una noche
(13 de septiembre de 1903, Saint Mande – Seine (FRancia) – 30 de julio de 1996, Speightstown, Barbados.)
Comenzó en el cine un poco de rebote. Las aspiraciones de la actriz eran trabajar en Broadway, pero la gran depresión provocó el cierre de los teatros y, de ahí, Claudette pasó al cine, con la película Los tres papas (1927) aunque con poco exito.
Despues de una serie de películas de poca calidad, aunque gran exito de publico, Colbert protagonizó El signo de la cruz (1932) de Cecil B. DeMille, con quien, tambien, trabajo en Cleopatra(1934).
En 1934 trabajaria en Sucedió una noche, primera nominación, primer oscar y el nacimiento de una leyenda.
Mundos privados(1935), su siguiente nominación, Corazones indomables(1939), a las ordenes de John Ford, Medianoche(1939) y, Desde que te fuiste (1944) con la que consiguió su tercera nominación, fueron algunas de sus películas maás destacadas.
En los años 50 se centró más en la televisión y en 1961 protagonizó Parrish, con la que se despidió del cine.
Mejor guión
Los nominados fueron:
Robert Riskin por Sucedió una noche. Segunda de cinco nominaciones. Ganador
Frances Goodrich, Albert Hackett por La cena de los acusados. Primera de cuatro nominaciones para Francis Goodrich, todas compartidas con Albert Hackett, quien, a su vez, tuvo el mismo numero de nominaciones. Ella, El y Asta (1936), El padre de la novia (1950) y Siete novias para siete hermanos (1954), esta ultima compartida también por Dorothy Kingsley, fueron las películas por las que fueron nominados. No lo ganaron por ninguna.
Ben Hecht por ¡Viva Villa!. Segunda de seis nominaciones; de las cuales dod fueron premiadas: La ley del hampa (1927) y The Scoundrel (1935) compartida con Charles McArthur, con quien, también, compartiría la nominación por Cumbres borrascosas (1939). En 1941 y 1947 sería nominado por los guiones de Angeles sobre Broadway (1940) y Encadenados (1946).
Guion ganador
Robert Riskinpor Sucedio una noche
(30 de marzo de 1897, New York City – New York (USA) – 20 de setiembre de 1955, Beverly Hills – Los Angeles (USA)
Las cinco películas por las que estuvo nominado (Dama por un dia (1933), Sucedió una noche (1934), El secreto de vivir (1936), Vive como quieras (1938) y Aquí viene el novio (1951) fueron dirigidas por Frank Capra, con quién colaboró en gran parte de sus películas. Así escribió los guiones de Estrictamente confidencial (1934), Horizontes perdidos (1937), Juan Nadie (1941) o LO quiso la suerte (1950).
Cuatro de las cinco películas por las que fue nominado, Excepto Aqui viene el novio, fueron nominadas a mejor películas y, dos de ellas (Sucedió una noche y Vive como quieras) ganaron el oscar a mejor película.
Estuvo casado con Fay Wray, la que fuera novia de King Kong (1933).
Mejor montaje
Los montajes nominados fueron:
Conrad A. Nervig por Eskimo. Primera de tres nominaciones: Eskimo (1933), Historia de dos ciudades (1935) y Las minas del Rey Salomón (1950), junto a Ralph E. Winters. Lo ganó en la primera y en la tercera,
Anne Bauchens por Cleopatra. Primera de cuatro nominaciones. Lo ganó en 1941 por La policía montada del Canada. Otras nominaciones suyas fueron: El mayor espectáculo del mundo (1952) y Los diez mandamientos (1956).
Gene Milford por Una noche de amor. Primer de tres nominaciones. Ganaría el oscar con las dos nominaciones siguientes: Horizontes perdidos (1937), en colaboracion con Gene havlick, y La ley del silencio (1954).
Montaje ganador
Conrad A. Nervig por Eskimo
(24 de junio de 1889, Grant County – Dakota del Sur (USA) – 26 de noviembre de 1980, San Diego – California (USA))
Tiene, Conrad A. Nervig, la estupenda distinción de ser el primer ganador del oscar al mejor montaje. La película por la que lo ganó, un drama semi documental, fue rodada en idioma inuit por W. S. Van Dyke.
Entre otras películas destacadas, trabajó en Hustoria de dos ciudades (1935),por la que recibió otra nominación; Paso al noroeste (1940) de King Vidor; Tienda de locos (1941) con Los Hermanos Marx; Las minas del rey Salomon (1950), por la que recibio su segundo oscar, junto a Ralph E. Winters; La viuda alegre (1952) o Cautivos del mal (1952) de Vincente Minnelli.
Entre otras películas destacadas, trabajó en Hustoria de dos ciudades (1935),por la que recibió otra nominación; Paso al noroeste (1940) de King Vidor; Tienda de locos (1941) con Los Hermanos Marx; Las minas del rey Salomon (1950), por la que recibio su segundo oscar, junto a Ralph E. Winters; La viuda alegre (1952) o Cautivos del mal (1952) de Vincente Minnelli.
La película
Eskimo
Mejor fotografía
Estuvieron nominados:
Victor Milner por Cleopatra. Segunda de ocho nominaciones. Ganador en esta edición.
Charles Rosher por El burlador de Florencia. Segunda de seis nominaciones. Ganó el oscar, junto a Karl Struss, por Amanecer (1927) y, lo ganaría en 1947 por El despertar de Clarence Brown; premio compartido con Leonard Smith y Arthur E. Arling. Otras nominaciones suyas fueron: El príncipe mendigo (1944), La reina del oeste (1950) y Magnolia (1951).
La fotografía ganadora
Victor Milner por Cleopatra
(15 de diciembre de 1893, New York City _ New York (USA) – 29 de agosto de 1972, Los Angeles – California (USA)
Victor Milner estuvo nominado en nueve ocasiones: En 1930 con El desfile del amor. Las tres siguientes consecutivas (1935, 1936, 1937): Cleopatra (con la que lo ganó), Las cruzadas y El general murió al amanecer. Volvió a ser nominado tres años seguidos entre 1939 y 1941: Corsarios de Florida, The great Victor Herbert y Policía montada del Canada, junto a W. Howard Greene. Em 1943 fue nominado, junto a Willian V. Skall, por Piratas del Mar Caribe y, en 1950, conseguía su ultima nominación por Las furias.
Como puede verse en sus nominaciones, trabajó con Cecil B. De Mille en gran numero de sus películas. También colaboró con el director en Buffalo Bill (1936), Unión Pacifico (1939) o Por el valle de las sombras (1944).
También colaboró con Preston Sturges en Navidades en julio (1940), Las tres noches de Eva (1941), un marido rico (1942) y El gran momento (1944).
Mejor banda sonora
Nominados:
Louis Silvers por Una noche de amor. Primera de cuatro nominaciones. Ganador
Max Steiner por La patrulla perdida y por La alegre divorciada. Año de estreno en los oscars con doble nominación. 22 nominaciones más casi consecutivas entre 1936 y 1951, cortadas en 1938, y tres premios de la academia por El delator (1935), La extraña pasajera (1942) y Desde que te fuiste (1944) son un resumido balance de sus logros en la academia.
La banda sonora ganadora
Louis Silvers porUna noche de amor
(6 de septiembre de 1889, New York City – New York (USA) – 26 de marzo de 1954, Hollywood – California (USA)
EStuvo nominado cuatro veces: Una noche de amor (1934), Chicago (1938), Suez (1938), Swanee River (1939), consiguiendo el oscar con su primera nominación. Compuso la música de El cantor del Jazz (1927), supuestamente la primera película sonora del cine.
Una noche de amor es la primera película en recibir el oscar a la mejor banda sonora.
Mejor canción
Los nominados:
Con Conrad y Herb Magidson por El Continental. Película: La alegre divorciada. Primera y unica nominación (con premio) para el primero y primera de tres nominaciones para el segundo.
Vincent Youmans, Edward Eliscu, Gus Kahn por Carioca. Pelicula: Volando hacia Rio de Janeiro. Primera y única nominacion para los dos primeros y primera de dos nominaciones para el tercero. La segunda sería por Spring Parade de la película Princesita (1940). Nominación compartida con Robert Stolz.
La cancion ganadora
Con Conrad
18 de junio de 1891, New York City – New York (USA) – 28 de septiembre de 1938, Van Nuys – California (USA)
Compositor, pianista y editor.
Publicó su primera canción en 1912 “Down in Dear Old New Orleans» y al año siguiente, produjo un programa en Broadway, The Honeymoon Express, protagonizado por un desconocido Al Jolson.
En 1920, Conrad tuvo su primer gran éxito, «Margie»
En 1923 volvió a Bradway donde escribió partituras para «Moonlight», «Mercenary Mary», «Kitty’s Kisses» y «Americana».
Se fue a Hollywood en 1929 donde compuso donde compuso temas populares como «Oh, Frenchy», «Palesteena», «Midnight in Paris», «Here’s to Romance», «Champagne Waltz», o «Singin’ the Blues».
Herb Magidson
(7 de enero de 1906, Braddock – Pensilvania (USA) – 2 de enero de 1986, Beverly Hills – Los Angeles – California (USA)
Junto a Con Conrad, fueron los primeros ganadores del oscar a mejor canción por El Continental de la película «La alegre divorciada (1933)
Fue nominado, de nuevo, en 1944 y en 1946, por la canción «Say a Prayer for the Boys Over There» de la película Lazos eternos (1943), junto a Jimmy McHugh, y «I’ll Buy That Dream» de la película El código del amor (1945).
Mejor asistente de direccion
El año anterior ya se había concedido dicho premio, aunque esta era la primera vez que se concedía dicho premio por una película en cuestión, y lo harían durante cuatro años, entre el 1935 y el 1938. Los nominados en esta edición fueron:
John Waters. Nominado por ¡Viva Villa!. Ganador
Scoot R. Beal. Nominado por Imitacion a la vida.
Cullen Tate. Nominado por Cleopatra.
Mencionar que en la edición del año anterior fueron siete los ganadores (Charles Barton, Charles Dorian, Dewey Starkey, Fred Fox,Gordon Hollyshead, Scott R. Beal y William Tummel) y once más fueron nominados:
Sid Brod
Orvill O. Dull
Percy Ikerd
Arthur Jacobson
Edward Killy
Joseph A. McDonough
William J. Reiter
Frank Shaw
Ben Silvey
John Waters
El ganador
John Waters por ¡Viva Villa!
(31 de octubre de 1893, New York City – New York (USA) – 5 de mayo de 1965, Hollywood – California (USA)
Director de segunda unidad y asistente de dirección, trabajo entre otras en David Copperfield (1935), El jardín de Alá (1936), Ninotchka (1939), Tienda de locos (1941), Todos los hermanos eran valientes (1953) o Horizontes de grandeza (1958).
Mejor diseño de producción
Los nominados fueron:
Richard Day por El burlador de Florencia. Tercera de 20 nominaciones. Ganó el oscar en siete ocasiones
Van Nest Polglase, Carroll Clark por La alegre divorciada. Primera de seis nominaciones para Van Nest Polgase. Sus siguientes nominaciones fueron: Sombrero de copa (1936), junto a Carroll Clark; Amanda (1938), Tu y yo (1939) junto a Alfred Herman, Mi esposa favorita (1940), junto a Mark Lee Kirk y en 1942, en colaboración con Perry Ferguson, A. Roland Fields y Darrell Silvera, Ciudadano Kane.
Primera de siete nominaciones para Carroll Clark. En 1943 recibió un oscar especial por la creación de una maquina de nubes en movimiento. Sus nominaciones fueron: Sombrero de copa (1935), Señorita en desgracia (1938), Un encuentro en el Pacifico (1943), Un joven de altura (1945), Un sabio en las nubes (1962) y Mary Poppins en 1965.
Cedric Gibbons, Fredric Hope por La viuda alegre. Ganador. Tercera nominación y segundo oscar para Cedric Gibbons y primera de dos nominaciones para Fredric Hope. Este seria nominado por Romeo y Julieta (1936), de nuevo junto a Gibbons y Edwin B. Willis.
El diseño de produccion ganador
Fredric Hope por La viuda alegre
(22 de enero de 1900, New Brighton – Pensilvania (USA) – 20 de abril de 1937, Hollywood – California (USA)
Director artístico asociado a la Metro Goldwyn Mayer desde 1926 hasta su muerte, entre otras películas participó en La viuda alegre (1934) por la que llevó el oscar, Ana Karenina (1935), Historia de dos ciudades (1935), Romeo y Julieta (De nuevo nominado al oscar), o Margarita Gautier (1936).
(Ver Cedric Gibbons en Oscars 1929)
La pelicula
La viuda alegre
Dirigida por Ernst Lubitsch e interpretada por Maurice Chevalier y Jeannette MacDonald en los principales papeles, cuenta la historia de como la viuda más rica e influyente del pequeño reino de Marshovia se marcha a paris, poniendo en peligro la economia del reino. El conde Danilo es enviado en su busca para enamorarla y vuelva a Marshovia.
Película que destaca, sobre todo, por el diseño de producción y por el vestuario, y donde la parte divertida viene dada por el embajador Popof (Edward Everett Horton y su ayudante) y por el rey y la reina (Una Merkel y George Barbier).
Su única nominación fue dada en la categoria de mejor diseño de producción, siendo recompensada con el oscar.
La premiere en Nueva York se produjo el 11 de octubre de 1934 y en España se estrenó el 11 de octubre de 1935.
Mejor sonido
Nominados:
John P. Livadary por Una noche de amor. Ganador. Primera nominación y primer oscar para John P. Livadary de un total de 17 nominaciones y tres oscars (Una noche de amor (1935), La historia de Al Jonson (1946) y De aquí para la eternidad (1953)
Thomas T. Moulton por El burlador de Florencia. Primera de 19 nominaciones. Huracán sobre la isla (1937), El vaquero y la dama (1938), Nido de víboras (1948), Almas en la hoguera (1949) y Eva al desnudo (1950).
Franklin Hansen por Cleopatra. Tercera de cinco nominaciones. Lo ganó, el año anterior, por Adiós a las armas (1932)
Carl Dreher por La alegre divorciada. Primera de dos nominaciones. La segunda, al año siguiente, por Canción de amor (1935).
Theodore Soderbergpor Imitación a la vida. Unica nominación
Douglas Shearer por ¡Viva Villa! Segunda nominación de un total de 15 en la categoría de mejor sonido. Lo ganó en cinco ocasiones (El presidio (1930), Marietta, la traviesa (1935), SAn Francisco (1936), Armonías de juventud (1940) y El gran Caruso (1951). En FX estuvo nominado seis veces, ganando dos: 30 segundos sobre Tokio (1944) y La calle del Delfín Verde (1947).
Nathan Levinson por La generalita. Nominado en 1934 por tres de sus películas (Soy un fugitivo, La calle 42 y Vampiresas 1933) este sería el segundo año de un total de 16 cosecutivos recibiendo nominación. En 1943 recibiría el oscar por Yanqui dandy.
Edmund H. Hansen por La legion blanca. Primera de 11 años continuos siendo nominado y 14 nominaciones, de las cuales dos se convirtieron en oscars: Los efectos visuales de Vinieron las lluvias (1939) y el sonido de Wilson (1944).
El sonido ganador
John P. Livadary por Una noche de amor
(20 de mayo de 1896, Constantinopla – Imperio Otomano (Estambul-Turkia) – 7 de abril de 1987, Newport Beach – California (USA)
John P. Livadary estuvo nominado ininterrumpidamente desde 1935 hasta 1947. Algunas de las películas por las que fue nominado fueron El secreto de vivir (1936), Horizontes perdidos (1937), Vive como quieras (1938) o Caballero sin espada (1939) a las ordenes de Frank Capra.
También recibió cuatro oscars especiales por sus logros y avances en la técnica del sonido.
Otras películas suyas, no nominadas y que merecen ser señaladas son Deseos humanos (1953), Cuna de héroes (1955), El hombre de Laramie (1955) o Picnic (1956).
En cuanto a los mejores cortometrajes se concedieron premios al mejor cortometraje de animación, donde resulto ganador La tortuga y laliebre de Wilfred Jackson, y a La cucaracha de Lloyd Corrigan y City of Wax de Horace Woodard y Stacy Woodard, en la categoría de corto de ficción y documental, respectivamente. Los otros cortos nominados, en la categoría de animación, fueron Jolly Little elves de Manuel Moreno y Holiday land de Sid Marcus.
La edición numero 92 de los oscar pasará a la historia como la primera donde una película de habla no inglesa se llevaba el máximo galardón, además de llevarse tambien el de mejor película extranjera, así como el de director (Bong Joon-ho) y guión original (Bong Joon-ho, Jin Won Han) Todo un acontecimiento nunca antes logrado. Claro que mi favorita era Erase una vez en Hollywood, pero pensar que quien podía ser la ganadora era 1917 que aparecía en todas las quinielas, cuando por lo que destacaba era por su fotografía, pues mi alegría fue inmensa cuando oí que Parásitos era la gran ganadora.
La película de Tarantino era obvio que no ganaba pues hacia tiempo que se habia descolgado de la carrera de los oscars, y aunque su guión, otro de los premios posibles, se fue de vacío, al final se llevo uno esperado: Brad Pitt por actor secundario (mi favorito era Joe Pesci) y otro más inesperado: Diseño de producción (Barbara Ling, Nancy Haigh), donde veía mas ganador a 1917.
1917 que apuntaba a arrasar en los premios, aunque creo que los tres que se llevo fueron mas que suficientes y todavía discuto que se llevase el de efectos visuales en detrimento de los de El irlandés. No porque me pareciesen buenos, pero ver a Robert de Niro con cara rara haciéndonos creer que era un jovenzuelo cuando su cuerpo era el de un vejestorio me pareció un puntazo de lo más bizarro. Critiquen luego a Cats. Claro que una es un peliculón y la otra no llega a peliculilla.
Bien, pues 1917 se llevo fotografía: Roger Deakins, el oscar más cantado; Sonido: Mark Taylor, Stuart Wilson. Sigo sin entender la diferencia entre sonido y efectos de sonido que fueron a parar para Donald Sylvester por su trabajo en Le Mans 66. pelicula que se llevo también el de montaje: Michael McCusker, Andrew Buckland; y el anteriormente mencionado efectos visuales: Guillaume Rocheron, Greg Butler, Dominic Tuohy.
Otro de los oscars que puedo haberse llevado, y al final no fue así, fue el de música, por lo que Thomas Newman se volvió a casa por vez numero 15 sin un premio que lleva tiempo mereciendo. Claro que en este caso, el trabajo que hace Hildur Guðnadóttir para Joker me parecía mas merecido. Ademas aquí no se miran a los casos de las categorías grandes, donde se premia mas la popularidad o el «ya va siendo hora» que la calidad de la interpretación; que no discuto que la tenga pero trabajos suyos mas merecidos se fueron de vacío. Véase Leonardo Dicaprio, Al Pacino o, incluso el Joaquin Phoenix de Joker, que ya debía tener dos o tres premios más.
Hablando de interpretaciones los premios se repartieron de la siguiente manera:
Actor: Joaquin Phoenix por Joker
Actriz: Rene Zellweger por Judy
Actor secundario: Brad Pitt por Erase una vez en Hollywood
Actriz secundaria: Laura Dern por Historia de un matrimonio.
Podían gustar mas o menos y podíamos tener nuestros favoritos, pero todos sabíamos que iban ser los ganadores. Yo tenia esperanzas que Scarlett Johansson subiese a recoger un premio (dos ya me parecía demasiado) pero nada de nada. Uno, muy merecido (Historia de un matrimonio) se fue para la susodicha Rene Zellweger por el biopic de Judy Garland, y otro ya menos obvio fue para su compañera en Historia de un matrimonio.
Pensándolo bien, que alguien gane un oscar por hacer de Judy Garland cuando dicha actriz nunca lo logró, aparte de su vida tan tormentosa, triste, dramática, aunque sus películas parecían indicar todo lo contrario no deja de ser irónico y triste a la vez. No para Rene Zellweger que, con este, ya tiene dos. Aunque uno no lo mereciese y esta, sin verla, no puedo opinar. Aunque siendo tan contrario a biopics donde el actor se mimetiza tanto con el personaje que no se quien está debajo de la capa de maquillaje y algo me dice que este es un caso similar. Por eso vería mas merecidos premios a Joaquin Phoenix de En la cuerda floja o al Robert Downey Jr de Chaplin que viendo claramente que son ellos te crees los personajes que interpretan. Todo lo contrario de ganadores tipo Rami malek por Bohemian Rapsody o Daniel Day Lewis por Lincoln donde paso mas tiempo buscando al actor debajo de la mascara que viendo la interpretación.
Mujercitas y Jojo Rabbit que obtaban a 6 premios cada se llevaron los de vestuario: Jacqueline Durran, cosa mas que lógica ya que el vestuario de época pone mucho a los académicos, y guion adaptado: Taika Waititi respectivamente. Esperaba que guión adaptado fuese para Mujercitas pero no fue así.
El escándalo se llevó maquillaje, también muy lógico al ver tan impecables que iban sus actrices en el trailer y la papada que le pusieron a John Lithgow.
Canción fue para Elton John por Rocketman y el premio mas insultante de todos pero que demuestra el poder que tiene Disney es el de película de animación que le dieron a Toy Story 4, cuando se trata de una continuación innecesaria y, lo que es peor, indigna de una serie que fue perfecta hasta la tercera, su verdadero cierre por mucho que Disney quiera seguir exprimiendo los muñecos.
En los apartados de cortos, ya sea documental, ficción o animación, así como largo documental, las películas ganadoras fueron:
Learning to skateboard in a warzone (if you´re a girl) Corto documental
Hair Love: corto de animación
The neighbors´window: corto de ficción
American factory: Largo documental.
Por ultimo, así quedo el reparto de premios, nunca mejor dicho, y a los que aspiraban:
Erase una vez en Hollywood (10) (2) Película, director, actor principal, actor de reparto, guion original, fotografía, diseño de producción, vestuario, sonido, efectos sonoros.
1917 (10) (3) Película , director, guion original, fotografía, BSO, diseño de producción, maquillaje, sonido, efectos sonoros, efectos visuales.
El irlandés (10) (0) Película, director, actor de reparto, actor de reparto, guion adaptado, montaje, fotografía, diseño de producción, vestuario, efectos visuales.
Historia de un matrimonio (6) (1) Película, actor principal, actriz principal, actriz de reparto, guion original, BSO.
Jojo Rabbit (6) (1) Película, actriz de reparto, guion adaptado, montaje, diseño de producción, vestuario.
Parasitos (6) (4)Película, director, guion original, montaje, diseño de producción, película internacional.
Le Mans 66 (4) (2) Película, montaje, sonido, efectos sonoros.
El escándalo (3) (1) Actriz principal, actriz de reparto, maquillaje.
Judy (2) (1)Actriz principal, maquillaje.
Toy Story 4 (2) (1)Pelicula de animación, canción.
Rocketman (1) (1)Cancion.
En negrita los premios de cada película.
Se puede apreciar el ninguneo a El irlandés de Martin Scorsese, algo totalmente insultante tratándose de una de las mejores películas del año. ¿Pero que se puede esperar de una academia que pasó de películas como Taxi Driver, Toro salvaje, Uno de los nuestros o Casino, y cuando lo premiaron lo hicieron por su película mas floja: Infiltrados?
Cuando Alemania estuvo dividida, la producción cinematográfica de una y otra parte era muy dispar. Mientras la zona occidental producía gran cantidad de películas, la producción de la zona oriental era bastante menor. Sin embargo, tenía cosas tan interesantes como estas, mucho más centradas en el realismo.
Desnudo entre lobos
Director: Frank Beyer
En un campo de concentración aparece, dentro de una maleta, un niño de pocos años. Los prisioneros del campo deciden esconderlo a pesar de que les puede traer fatales consecuencias. Todo en vísperas de una inminente liberación por la que llevan tiempo preparándose.
Más que notable film alemán que mantiene la tensión durante las casi dos horas que este dura.La película hace hincapié sobre las decisiones que se toman y como estas afectan a los demás, ya sea para bien o para mal. Así, la decisión de salvar el niño, acarrea que mucha gente vaya a morir.Puede que resulte poco creíble que, el niño, en ningún momento llore y así delatar su posición.
Hasta ahora creía que los nazis de La lista de Schindler eran los más realistas, pero auténticos alemanes ya enseñaron antes como eran unos nazis que daban verdadero miedo. Todo sin estridencias ni sobreactuaciones.
Jakob, el mentiroso
Director: Frank Beyer
Jakob escucha en la radio que los rusos están cerca y pronto liberarán el getto. Cuando lo cuenta a sus compañeros, todos creerán que tiene una radio y querrán saber más. Jakob se ve obligado a hilar mentira tras mentira tras mentira para mantener la ilusión.
Curiosa cinta de la Alemania Oriental. A medio camino entre la comedia y el drama pero sin cargar demasiado las tintas en ambas partes. La película también puede ser comparada con La vida es bella de Benigni, por su tono de fábula, pero sin la ñoñeria de esta.
Aunque la película transcurra a medio camino entre la comedia y el drama, su final no puede ser más desolador.
Yo tenía 19 años
Director: Konrad Wolf
Un joven alemán que abandonó su país cuando Hitler llegó al poder, huyendo a Rusia con sus padres cuando era niño, vuelve a su país al final de la guerra como miembro del ejército ruso.
La película retrata los días previos a la rendición alemana, ya totalmente asediada por el ejército ruso, con los alemanes ya totalmente derrotados pero todavía negándose a rendirse.
La película evita la dramatización y está más cerca al documental por la forma de ser narrada.
Así, nos encontramos con una joven alemana a la que parece hacer responsable de las acciones y atrocidades del ejército. Se habló mucho sobre si el pueblo alemán estaba al tanto de lo que ocurría o si preferían mirar hacia otro lado; ya fuera por miedo a represalias o porque estaban de acuerdo con sus acciones.
El interrogatorio a uno de los verdugos, contando de manera realista la manera en que los prisioneros eran ejecutados es un ejemplo del estilo documental de la película.
Aunque la rendición del ejército alemán se produce de manera limpia, con apenas unos pocos tiros, apenas sangre ni represalias, la película es un estupendo retrato de la guerra y su sin sentido.
Está claro que la guerra es una tragedia, tanto para los que participan activamente en la contienda, como los que son espectadores pasivos de esta, ya sean familiares de la gente que está en batalla o personas a las que la guerra las coge en medio (bombardeos de ciudades, ocupación de estas, etc.) Pero cuando los afectados son los niños la guerra coge un factor aún más amargo, ya que si nadie es culpable, excepto quienes las arman, los niños mucho menos.
En este post recojo tres películas donde la infancia es la principal afectada o, visto de otra manera, la guerra vista desde la mirada de los niños.
Las películas son:
Adiós, muchachos de Louis Malle
Juegos prohibidos de René Clement
Una bolsa de canicas de Jacques Doullon
Adiós muchachos
Director: Louis Malle
Durante la ocupación francesa por arte de la alemania nazi y ante la insostenible situación, muchos niños son enviados a un internado, más si estos son judíos y son buscados para fines nada agradables, mientras la situación no vuelve a normalizarse.
La película tiene algunos momentos muy emotivos como su final o el acoso al cliente judío del restaurante, con el beneplácito de toda la gente allí metida. Muestra también el colaboracionismo del pueblo francés con el invasor nazi mediante las visitas de estos al colegio en busca de algún judío oculto.
Hay un momento que me pareció bastante curioso. En un momento de la película uno de los niños dice el dia que es y que ese dia jamas volverá. Dos años más tarde, en El club de los poetas muertos, Robin Williams dice aquello tan conocido de «el dia de hoy jamás volverá a producirse…». No se si es un casual, pero me chocó bastante.
Juegos prohibidos (1954)
Director: René Clement
Se narra la historia de Paulette, una niña parisina de unos cinco años que pierde a sus padres durante un ataque de la aviación alemana. La niña será acogida por una familia de aldeanos con, cuyo hijo menor, Michel, entablará una bonita amistad.
Entrañable y hermosa película sobre la amistad y los vínculos que se establecen en los primeros años de vida.
Aunque la película transcurre tranquila e, incluso divertida con los curiosos juegos de los niños, no se olvida que es un drama y que la forma de llegar ahí y su desenlace son totalmente dramáticos. Uno no puede sentir una pena terrible con ese final tan abrupto y cruel.
Los dos niños protagonistas están estupendos, especialmente la niña que es extremadamente expresiva.
La película estuvo nominada al oscar en la categoría de mejor historia y recibió el leon de oro en el festival de Venecia del año 1952. También recibió un premio especial a la mejor película de habla no inglesa en los oscars de 1953.
Una bolsa de canicas (1975)
Director: Jacques Doullon
Se cuenta la historia de dos niños hermanos judíos que tratan de escapar de la Francia ocupada por los nazis.
Buena película que evita caer, cosa que tendría muy fácil por el tema que trata, en el sentimentalismo barato, defecto en el que si cae la versión del 2017, dirigida por Christian Duguay, que sin ser una película mala ,ni por asomo, se empeña demasiado en provocar la lágrima, como si la situación que se cuenta no fuese suficientemente triste.
Sin embargo, algunos momentos se me hacen bastante inverosímiles. Se que la película tiene tintes autobiográficos pero convencer (con bastante trabajo, eso sí.) a los nazis de que no son judíos en el interrogatorio, mientras el resto de interrogados enseguida se derrumba, pues se me hace un poco difícil de creer.
También retrata el despertar sexual de los niños, primero con la puta gorda y luego con la hija del librero para el que trabaja el hermano más pequeño.
La II guerra mundial ha dado pie a multitud de historias, ya sean estas tratadas de manera realista o en su faceta más aventurera y propagandística. Así mismo, distintos escenarios donde la contienda se produjo, fueron reflejados en el cine, no solo para narrar hazañas bélicas si no, como en los casos siguientes, contar el sufrimiento de la población civil; no por causa de una invasión, si no por la espera en muchos casos inútiles, o la muerte prematura de la infancia por culpa del conflicto bélico.
–Balada de un soldado
–La infancia de Iván
-Cuando pasan las cigüeñas
La balada del soldado (1959)
Director: Gregori Chukhrai
En Balada de un soldado se narran las vicisitudes de Alyosha, un joven soldado ruso al que el ejército le concede unos días de permiso para poder ver a su madre después de que este participase y destruyese de manera fortuita dos tanques alemanes en una acción contra estos.
Lo que en principio, se supone, un regreso fácil, se va complicando al cruzarse con diferentes personas que le atrasan el viaje.
Mediante el uso de esa gente se pone de manifiesto distintos miedos, tanto de los que están en el frente como los que no.
Así, el miedo del soldado que le pide ir ver a su mujer es que esta no piense que está muerto. Sin embargo, cuando el soldado la encuentra, esta ya vive con otro hombre.
Otro miedo es el del soldado mutilado que no quiere volver a casa para no sufrir el rechazo de su esposa por su situación.
El miedo de Shura, con quien vivirá una historia de amor no consumada, la primera vez que entra en el vagón y se encuentra con él es el de ser violada; lo que se supone que ya vivió episodios similares en el pasado. El plano de los dos mirándose en el tren después de que se disipa el humo que los cubría es bellisimo.
Sorprende que el final vaya acompañada de una voz en off donde aclaran que esta podía ser la historia de alguien que podía ser tal cosa pero que eligió ser un soldado ruso (esto dicho con gran énfasis) que empaña bastante el tono que tenia la película. No se si por imposición del gobierno o decisión de los implicados en la película.
La película estuvo nominada a mejor guión original en 1960.
La infancia de Iván (1962) Director: Andrei Tarkovsky
Se cuenta como Iván, un niño huérfano, vive con el ejército ruso donde realiza labores de espionaje a los alemanes.
Repleta de momentos oníricos como la relación de este con su madre o los juegos en la playa con sus amigos.
Bien, es verdad que la película está más preocupada en la estética que en seguir una historia donde algunos de sus tramos quedan incompletos o desdibujados. Véase el triangulo amoroso de los dos soldados con la doctora, pero que ofrece alguna de las mejor escenas como la del beso en la trinchera. Es ahí, en esos planos, tanto paisajísticos como rostros de sus personajes, donde la película atrapa. En este punto me preguntaba dónde había visto planos semejantes. Un documental visto al acabar la película me lo aclaró: El renacido los tenia iguales; y es que en lo original que parecen algunas cosas, ya antes se habían hecho.
La película ganó el león de oro en el festival de Venecia en ese año.
O pasado dia 9 de novembro, (si, xa sei que pasaron casi duas semanas) clausurouse a XX edicion da mostra de curtas de Noia. Desde aquí darei conta do palmarés, deixarei miña opinión sobre as curtas premiadas que vin (sobre as que non vin, evidentemente non) e sobre algúns momentos da gala.
Pois pasamos o reparto de premios.
A mellor curta amateur, que non vin, foi para Os invisibles, protagonizada por alumnos da asociación Misela e que protagonizaron un dos momentos emotivos da noite.
O mellor guión foi Marcos Nine, Fran X. Rodríguez por Beautiful boy.
A mellor dirección foi para JiajieYu por XiaoXian, curta que foi premiada como mellor curta da presente edición, En ela contan como a Xiao Xian do título ten que quedar a arreglar un vestido pero a chegada da sua amiga fai que o deixe para irse de xuerga.
O problema que teño con este tipo de cintas (Bueno, a cinta e española pero o estilo visual, casi todo o reparto tamén, ademais do director como se pode comprobar polo seu nome e por que eu o vin, e chino) e que enganchanme estetícamente, e alucinante a capacidade que teñen os orientais para crear ambientes, pero custame un montón entrar nelas. Ese problema tamen o fixo notar o director da curta acerca do necesario que eran este tipo de cintas, mais que nada para que non todo sexa tan occidentalizado.
O premio a mellor actriz, neste caso actrices pois foi compartido ou como se sole decir ex aequo foi para LuisaGavasa por María e para Rosario por HappyFriday. A primeira non a vin pero a outra e una divertida curta chea de humor negro acerca de una muller que decide aproveitar o black Friday dunha forma bastante peculiar. Rosario Pardo aparece, ademais, na curta que levou o premio do público: Será nuestro secreto.
Nela contase como a visita dos nenos dun colexio a un asilo fai que se descubra que una das nenas teña «supostamente» alí a sua aboa «supostamente» morta e enterrada. Emotiva curta acerca do alzheimer e do olvido voluntario dos familiares desas personas por non aceptar responsabilidades.
O premio o mellor actor foi para Antonio Mayans por Perdóname.
Por último, a mellor curta de animación foi para Ailin en la luna.
Houbo tamen una mención especial para Lay them straight.
Nesta edicion, o actor Carlos Blanco recibeu o premio a toda a sus traxectoria.
O momento que mais aplausos recibeu foi cando se lle dou un premio a Moncho Vidal, cabeza visible da mostra de curtas durante todos estes anos e que recolleu o premio moi emocionado. Aparte que foi una sorpresa que lle tiñan preparada. Foto sexa de paso, foi uns dos premios mais merecidos. Non porque os outros non o fosen, si non porque gracias a el, a mostra sigue adiante funcionando perfectamente.
A gala estuvo conducida polo cómico Javi Sancho. O principio collin un cabreo o non ser presentada polo habitual Pedro Brandariz pero hai que aceptar que o descoñecido presentador ( deso fixo un chiste co que se gañou o público) non o fixo nada mal.
Sin discutir a elección dos gañadores, houbo curtas que perfectamente podían ocupar eses lugares como e o caso de El cumple, cun excelente traballo dos dous protagonistas e, sobretodo, Brindis. Curta que daría perfectamente para una longametraxe.
Dirigida por Louis Leterrier e interpretada por Edward Norton como Bruce Banner/Hulk; Liv Tyler como Betty Ross y William Hurt como el general Ross en los personajes principales. El malo malísimo es interpretado por Tim Roth (Blonsky/Abominación)
Aunque en 1960, Christopher Lee no aceptó ponerse en la piel de vampiro, hubo igualmente película: Las novias de Drácula (Terence Fisher). Su nombre en el título, imagino, funcionaba como reclamo para el público, ya que no aparece por ningún lado. Quien si aparece es un tal Baron Meinster, vampiro de aspecto andrógeno. Sin embargo, si eres capaz de soportar el cabreo inicial de no ver a tu vampiro favorito, está película merece una oportunidad ya que está mejor de lo que cabría esperar, aunque el vampiro sea un flojo; pero sus hallazgos visuales como las aspas del molino formando una cruz o la protagonista sentada delante del espejo, sintiendo una presencia detrás de ella a la que no puede ver; el siempre excelente Peter Cushing que repite como Van Helsing o la baronesa Meinster ponen a esta película, hoy lo llamaríamos spin of, a la misma altura que su predecesora
Me gustó menos el regreso de Lee con Drácula príncipe de las tinieblas. A pesar de tener algunos momentos memorables como el desangramiento de uno de los incautos que va al castillo del conde, pero Drácula sale demasiado tarde, y aunque algunos de sus momentos son estupendos, parte del tiempo te lo imaginas deseando sacarse el disfraz para cobrar el pastón que le darían por interpretar el personaje e irse para casa.
Así, en Drácula vuelve de la tumba, las agraciadas con el mordisco Draculín fueron Barbara Ewing y Veronica Carlson. La película me gustó mas que la anterior, aunque tiene algunas meteduras de pata: la de Drácula reflejado en el agua del hielo de donde fue desenterrado, clama al cielo. Pero la historia es bastante entretenida, aunque no deje de ser un más de lo mismo.
La siguiente fue El poder de la sangre de Drácula ( Peter Sasdy) donde vuelve a repetirse el esquema de la anterior: Drácula es resucitado de manera rocambolesca y morirá de manera también rocambolesca. Entre medias se ligará a dos chicas (Drácula es como James Bond) que estarán encantadas de sus mordiscos. las chicas serán quienes les saquen las castañas del fuego (Drácula es un vago) y, al igual que en la anterior, matará a una de ellas y dejará a la rubia maciza viva por la única razón de ser novia del ¿protagonista?. Entretiene, aunque Drácula viviendo pared con pared con una iglesia y no notar su presencia es raro raro. Aun así, el momento es memorable.
Drácula 73 transcurre en el Londres de ese año ¡1973! Como Dracula es inmortal pueden resucitarlo donde les den las ganas. El problema viene cuando vemos que en la tumba de Van Helsing aparece el año 1873 como fecha de su muerte, pero sabemos que la acción del Dracula de Terence Fisher transcurre en 1883. Por tanto algo no cuadra. Luego está que si hasta 1973 no es resucitado ¿Como pudo pasar lo que cuentan en las otras películas? Puede ser que estos dos Dráculas transcurran en dimensiones paralelas o, como ya dije antes, estas vayan por libre, o que las cagaran con las fechas.
La ultima película en la que Christopher Lee interpretó a Drácula fue en Los ritos satánicos de Drácula, cuya acción transcurre en la misma época que la anterior. En ella nos cuentan el plan de Drácula para acabar con toda la humanidad.
Después de esta película supongo que dijo eso de «me las piro vampiro» y no volvió ni para interpretarlo en Kung Fu contra los siete vampiros de oro (Roy Ward Baker) que pese a lo que pueda parecer es una película muy entretenida. Un rara avis dentro del serial donde se pasan por el forro todo lo visto en las películas anteriores. La película tiene, además, un par de historias de amor interracial muy molonas y un mensaje sobre la liberación de la mujer que golpea contra el machismo establecido.
Fue la primera película donde su director recibió el oscar en esa categoría siendo el más joven de la historia, algo todavía no superado. John Singlenton estuvo nominado por Los chicos del barrio (1991) pero no ganó
Dirigida por Frank Lloyd e protagonizada por Anne Harding, Clive Brook y Conrad Nagel.
Películas que llevan su fotografía fueron, entre otras, Sólo ante el peligro (1952), El viejo y el mar (1958)
La película cuenta, con un estilo cercano al documental. una historia de amor imposible entre una chica que es elegida virgen de los dioses; por tanto debe permanecer ídem, y un pescador de ostras en las islas de los mares del Sur. El hecho de que los dos quieran escapar a convenciones y ritos perpetuados desde la antigüedad tendrá consecuencias trágicas.
Entre otras peliculas, trabajo en Ben-Hur (1926), Trader Horn (1931), Tarzan de los monos (1932), Ave del paraiso (1932), Eskimo (1933), Tarzan y su compañera (1934), La isla del tesoro (1934) o Mares de China (1935) 
Es ahí, en esos planos, tanto paisajísticos como rostros de sus personajes, donde la película atrapa. En este punto me preguntaba dónde había visto planos semejantes. Un documental visto al acabar la película me lo aclaró: El renacido los tenia iguales; y es que en lo original que parecen algunas cosas, ya antes se habían hecho.
No es cine todo lo que reluce 